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18 agosto 2016 4 18 /08 /agosto /2016 07:45

Escrito con el desparpajo de un Francisco Umbral, pero con menos mala leche, irónico, satírico, nostálgico, muy sentimental en ocasiones, con ramalazos de poesía a lo Vázquez Montalbán, el ojo crítico de un Larra y el humor de un Mesonero Romanos, el charnego Javier Pérez Andújar (Sant Adrià de Besós, 1965) ha perfilado un curioso libro que es un híbrido entre unas memorias de un desclasado orgulloso de serlo y un "diccionario" ( recopilación de voces o temas por orden alfabético) en el que el periodista reproduce muchos de los textos que aparecieron en diferentes medios de comunicación, al calor de la inmediatez de los hechos.

Pérez Andújar derrama en este libro su experiencia copiosa como cronista de los barrios periféricos de Barcelona y al paso de sus recuerdos de hechos, momentos, paisajes y personajes de este pasado reciente. Los amantes de esa gran ciudad (cada vez más desnaturalizada por su imagen de parque temático del turismo menos elegante del mundo) y también de los "tebeos" y de su cultura entrañable, constituyen un a modo de biografía sentimental del periodista, de Barcelona y de la cultura de barrio y Encantes que muchos hemos conocido, padecido y disfrutado. Sin dejar de ser una cultura obrera también está en el punto de mira una auténtica y honesta filosofía de la vida, de la autenticidad, incluso de una mirada un si es no es ingenua, fiel a los hitos de su tiempo joven, de Radio Futura, de la Transición, del amor robado a la estrechez y a la necesidad, a los trabajos excesivos, a ciertas humillaciones y también a un tipo de orgullo de clase, de barrio y de dictadura. Un orgullo humilde que habla de cómics, cine, televisión en blanco y negro, series en color, políticos con perfiles nostálgicos no por ellos, sino por el tiempo en que se los sufrió. Todo ello contado con un estilo variopinto, juguetón, de fuegos artificiales, que nos recuerda a Mortadelo y Filemón tanto como al "Hombre enmascarado" o "Flash Gordon" o algunas novelas de Baroja o esas barbaridades de Jardiel Poncela. El repaso a los poderosos e infatuados políticos de la corrupción, el rostro pétreo y la desvergüenza e invulnerabilidad, que dejaron a los de "antes", lo del "no sabe usted con quien está hablando" como niños de guardería.

Uno acaba este libro con respeto, algo cansado de sonreir y más cansado aún de dolerse con las amarguras como puños que destilan muchas páginas. Un poco mareado con tanto destellos de ingenio, pero reconciliado con algo sincero y auténtico que emana de esas páginas. Al fin y al cabo se suscribe lo que el autor dice de su libro en la página 14: "Todos estos artículos están hablando de lo mismo : de una visión del mundo, de una manera de leer, de una forma de defenderse ante todo. Pareciendo una manera de escribir, resulta que han sido una manera de vivir. Tratándose de temas dispares, de asuntos no relacionados unos con otros ( desde Camilo Sesto hasta el Estado Islámico) forman juntos una poética, una declaración de principios literarios y por tanto vitales". Ahí es nada.

FICHA

DICCIONARIO ENCICLOPÉDICO DE LA VIEJA ESCUELA,. Javier Pérez Andújar.- Ed.Tusquets.- 477 págs. 21 euros. ISBN: 9788490662991

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17 agosto 2016 3 17 /08 /agosto /2016 17:37
El ladrón que leía a Spinoza

Lawrence Block, nacido en 1938, es uno de los maestros poco conocidos de la novela negra. Ha escrito más de cuarenta libros, aunque muy poco traducidos y publicados en España, a pesar de haber sido galardonado con los premios más notables del género. En 1993 fue nombrado Gran Maestro por la Asociación norteamericana de Escritores de Misterio. como tarjeta de visita suele utilizar con bastante eficacia el sentido del humor y las notas de cultura literaria de excelencia. Suele acompañar sus novelas de un toque de humor bastante apropiado para la ocasión que desarrola. En este libro, su ladrón es un personaje ya conocido en otras novelas, se llama Bernard Grimes "Bernie" Rhodenbarr que alterna los robos "de guante blanco" con su labor como librero en Nueva York. Roba con limpieza, sin violencia, sin armas, sólo ingenio, audacia y suerte. Le gusta correr 5 ó 6 km varias veces a la semana, por Central Park.Su mejor amiga y cómplice ocasional es Carolyn Kaiser, propietaria de la "Casa del caniche" donde trabaja como peluquera, es lesbiana, bebedora y enamoradiza. Otro personaje habitual es un "amigo" policía, Ray Kirschmann, fácil de comprar pero en definitiva un buen poli. En "El ladrón que leía a Spinoza" , Bernie debe defenderse de una acusación de asesinato. Excelentemente escrita, la novela es divertida e inteligente. Los diálogos son ágiles y brillantes y los personajes están bien perfilados. Tiene títulos como "El ladrón que citaba a Kipling o "El ladrón que pintaba como Mondrian". En este caso no sólo cita , y con pertinencia, párrafos de Spinoza ("Del origen y naturaleza de las emociones") sino a Thomas Hobbes y utiliza los pensamientos de esos dos filósofos para construir su alegato de descubrimiento del asesino en la sombra.

FICHA

EL LADRON QUE LEIA A SPINOZA.- Lawrence Block.- Plaza Janés. 304 págs. ISBN: 9788401476143

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17 agosto 2016 3 17 /08 /agosto /2016 09:27
El ayudante de cámara

En los 80 vi la pieza teatral "The Dresser" en su primera versión cinematográfica, "La sombra del actor". Es una obra teatral de Ronald Harwood, que él mismo ha convertido en guión en dos ocasiones, la que nos ocupa y la versión de 1983 dirigida por Peter Yates y protagonizada por Albert Finney y Tom Courtenay. En esta ocasión un magnífico y sobrio Anthony Hopkins y el ex-Gandalf de los Anillos, Ian McKellen, menos sobrio que de costumbre. Pequeño pero enjundioso papel para Edward Fox y una Emily Watson tan correcta como acostumbra. Conocemos esa historia (hace poco vimos a Al Pacino en algo semejante, sólo que en figura de "crooner") el gran actor que ha llegado envejecido y está al borde de la ruina física con problemas de memoria, alcohol y divismo recalcitrante. Y aquí viene otro personaje con historia, el ayuda de cámara, el sirviente, homosexual, resentido, mezquino y envidioso. Se trata de cancelar una última representación del Rey Lear ante los problemas fisicos y mentales del actor. Pero el sirviente mueve los hilos y consigue que su amo salga al escenario, al precio que sea. Cine teatral que se mantiene gracias a los dos monstruos de la escena que encabezan el cartel. El texto sigue siendo demoledor y magnífico. La dirección, sobria (se trata de una película para televisión). “El ayuda de cámara” es una delicia para los espectadores que sienten nostalgia (razonable) por el cine del pasado siglo.

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11 agosto 2016 4 11 /08 /agosto /2016 09:44
El viejo fusil

Excelente película bélica francesa dirigida por Robert Enrico e interpretada por el gran Philippe Noiret con una aparición escasa de Romy Schneider. Pertenece la cinta al género bélico de retaguardia y nos habla de el peligroso periodo del final de la guerra con los alemanes ocupando Francia y aplicando una política represiva brutal con múltiples escarmientos y represalias sobre la población civil, principalmente a causa de las actividades crecientes de la resistencia y grupos de partisanos. La acción se desarrolla en Montauban (suroeste de Francia) en 1944, cuando ya los aliados los americanos están desembarcando en las costas. La retirada apresurada de los alemanes de sus posiciones van acompañadas de verdaderas atrocidades contra la población civil. El film hace referencia a la masacre ocurrida en Oradour-sur-Glane (un poco al norte de Montauban, cerca de Limoges). El 10 de junio de 1944, las SS reúnen a toda la población en la plaza del pueblo; los niños y las mujeres son encerrados en la iglesia. A media tarde empieza la matanza de todos los habitantes (en la película se ven los cadáveres en la iglesia). En la actualidad, se conservan las ruinas del pueblo, en recuerdo de lo ocurrido: 644 víctimas, de las cuales 204 eran niños.

El doctor interpretado por Noiret pierde a su esposa y a su hija en una de esas operaciones gratuitas y salvajes de los desesperados alemanes y ello ocurre en una especie de castillo con una parte reformada propiedad del médico. Cuando este llega ve el cadáver de su hija y el cuerpo quemado por un lanzallamas de su esposa. El shock recibido transforma al pacífico y tímido doctor en un instrumento de la venganza sin compasión, en una máquina de matar, con un viejo fusil y su conocimiento de los pasadizos y trampas del castillo. El filme se articula en tres niveles: la masacre nazi, la historia de amor (a través de flashbacks, esencialmente) y la venganza (tiempo presente de la película). Magnífica, realista y compleja la historia de amor entre la bella Romy y el tímido y poco agraciado Noiret.

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10 agosto 2016 3 10 /08 /agosto /2016 17:21
Infierno azul

El catalán trasplantado a Hollywood Jaume Collet-Serra consigue un "coup de force" muy acertado en las labores de dirección de "Infierno azul". Con una drástica limitación de escenario --todo transcurre en pleno mar a dos centenares de metros de la playa, sobre una roca emergente que se hundirá con la marea y una torre-boya de señales, faro y campana. Toda la trama consiste en ver los problemas que tiene una surfista atacada por un tiburón asesino que logra refugiarse en la roca mientras el escualo monta guardia en torno a ella para acabar de devorarla. Blake Lively, la muchacha, está en una playa solitaria de Méjico y los únicos surfistas que aparecen por allí son devorados por el tiburón . Destaca la paradoja de una muerte horrible en un lugar paradisíaco, con planos aéreos y generales que describen perfectamente la inmensidad y soledad de la playa dotada de un agua totalmente cristalina. Excelentes secuencias submarinas. Con el precedente del "Tiburón" de Spielberg. Collet-Serra usa la técnica cinematográfica del maestro norteamericano, mostrando pocas secuencias del tiburón físico pero logrando crear un ominoso ambiente de peligro súbito, inmediato, silencioso y letal. Sólo al final lo veremos más, ya totalmente desatado y tratando de llevarse al interior de sus terribles fauces todo lo que pille por delante… Blake Lively logra salir airosa de su cometido dominando con su presencia y sus emociones toda la película. Quizás se prolongue demasiado el brutal sufrimiento de la protagonista y resulta un poco inverosímil el "pespunte" con pendientes que hace la chica a su pierna desgarrada y resulta más dudoso que con tanta pérdida de sangre y el subsiguiente shock traumático la chica se desenvuelva tan bien.

El miedo psicológico es más terrorífico y la tensión sube de puntos cuando sólo tienes el presentimiento de que está el tiburón cerca pero no tienes ninguna señal de por donde va a atacar. Quizá lo menos creíble o en línea con el guión sean las secuencias de la amistad con la gaviota herida a la que cura y que incluso la avisa de la presencia de gente o del tiburón. Y la muerte de los dos jóvenes surferos. En fin, nadie es perfecto Y menos el final. Aún así, si quiere pasar un rato de angustia bien narrado esta es su película.

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9 agosto 2016 2 09 /08 /agosto /2016 09:22
Kilo, Two, Bravo

Kajaki es una película bélica modesta, previsible, pero al mismo tiempo con una trama original y dinámica que te mantiene hipnotizado toda la proyección. Buena dirección, excelentes actores, hábil dirección artística, perfecta fotografía. Se nos cuenta el día a día de una patrulla británica en Afganistán. Muy pronto se entra en el hecho capital: un campo de minas terrestres en el que algunos miembros de la patrulla se encuentran dentro sin posibilidad de escapar. Basada al parecer en hechos reales ocurridos en 2006, la película nos muestra sin ambages el sufrimiento que tuvieron que soportar los soldados. Las minas fueron colocadas por los rusos muchos años antes, y no matan a sus víctimas, solo destrozan los miembros inferiores. Los 100 minutos del film relatan la espera de los soldados hasta que llega el rescate con helicópteros. Todo desarrollándose morosa y desesperadamente en un escenario limitadísimo de 30 metros cuadrados de pedregal y una docena de soldados paralizados. El suelo como enemigo furtivo pero implacable, con el terror a hacer cualquier movimiento. Todo descrito en un estilo realista, brutal. Ni siquiera hay banda sonora, para que no nos distraigamos del concierto de explosiones y los posteriores gemidos y maldiciones de los caídos y sus mutilaciones.

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8 agosto 2016 1 08 /08 /agosto /2016 09:33
Faraón

Acostumbrado a los "péplum" de Hollywood tan postizos como una peluca en la cabeza de Yul Brinner, cuando apareció "Faraón", reducido a las salas de arte y ensayo , los alumnos de Antropología fuimos a verla con nuestro profesor de Egiptología a la cabeza. El deslumbre fue total, a pesar de habernos extasiado también con "Sinué , el egipcio" basada en la novela de Mika Waltari y habernos choteado (históricamente se entiende) de películas como "Cleopatra", "Quo Vadis" o "Ben Hur". El casi desconocido cine polaco tiró la casa por la ventana para rodar "Faraón", con magníficos exteriores rodados en Egipto propiamente y en Uzbekistán y con el apoyo económico y logístico de la Unión Soviética, logra dar al filme una autenticidad y verosimilitud envidiables. Una puesta en escena impecable, una ambientación magnífica u un rigor científico e histórico de primera mano, convierten a "Faraón" en una de las mejores muestras de cine histórico de todos los tiempos. El gran director Kawalerowicz, invirtió tres años en el proyecto. Para cumplir sus objetivos crea la historia de un faraón inexistente, en la cumbre del esplendor imperial egipcio y dándole un contenido político y social tan básico y preciso que mantiene su actualidad, es el enfrentamiento entre el poder civil y el religioso. Aunque hay momentos excesivamente lentos y discursivos, apenas pesa el largo metraje, 182 minutos, ya que esta película es toda una lección de cine y de historia.

Tanto el vestuario como la ambientación y los actores --excelentes las interpretaciones de los actores que dan vida al supuesto Ramses XIII y al sumo sacerdote Herhor. Disfrutarán con secuencias como el suicidio del esclavo que tras 10 años de trabajo ve cómo su zanja es rellenada de nuevo, la batalla entre los libios y los egipcios, el enfrentamientos entre Ramsés XIII y su doble en el templo de Amón, el ritual de momificación de Ramsés XII o la proclamación de Ramsés XIII como Faraón. Y, por supuesto, el largo plano inicial del escarabajo pelotero.

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7 agosto 2016 7 07 /08 /agosto /2016 12:29
Han venido unos amigos

Antoni Marí (Eivissa, 1944) poeta, narrador y ensayista en el terreno literario creativo y editor y catedrático de Teoría del Arte en la Pompeu Fabra, por añadidura, es uno de los intelectuales de este país que, como los libros muy buenos, las películas importantes y en general los grandes clásicos, pertenecen al acervo de lo excelente. Conocido dentro del mundo de exigencia de los mejores, va dejando salir a la palestra con discreción y sabiduría, unas obras que raramente decepcionan y que, en general satisfacen a los que le conocemos y admiramos y va creando poco a poco nuevos adeptos.

No hay nada banal en sus obras, son como "delicatesen" literarias para degustar con morosidad y placer. Atrae por igual al filósofo y pensador, como a los que aman la alada poesía y a los que gustan de sumergirse en una prosa siempre situada en los niveles de los mejores. Incluso se atreve a buscar en lo híbrido de los géneros, como en esta "Han venido unos amigos" ( editado por Renacimiento en castellano y por Tusquets en catalán) en la que las fronteras de la poesía y la narrativa, son transgredidas con ingenio y con pericia. Marí hace un guiño al origen poético de toda narrativa y como un Homero moderno (alejado de la épica), nos cuenta la historia de un hombre que busca la soledad y recurre a la amistad para sanar sus heridas y levantar las fuerzas de su cuerpo enfermo, con el auxilio de una mente brillante y especulativa que ahonda en el pasado y evoca la difícil poesía del presente como una forma de expresar lo que no se puede decir. La traducción al castellano de su original catalán es del propio Antoni Marí.

“Estoy en cama, inválido, desde hace tiempo, / y nada me entretiene ni me alegra tanto como las cartas recibidas, / algo escasas tal vez, o las visitas que me hace la gente / que no es de la familia” (pág. 14) es la entrada al escenario intimista de este poema. Allí desvela la paradoja entre la soledad del poeta y su ansia de compañía. Es el comienzo de un viaje que debe llevar al autor a la esencia de su ahora y su aquí, por encima de cualquier banalidad. La alegoría, la metáfora y el símbolo de la existencia está permeado por el pensamiento y la visión poética.

Los personajes son como sombras que nos hacen dudar de una realidad que, por otra parte, es evocada de manera puntual y exacta, casi corporal. El estilo es brillante, meditativo, exigente (lo he leído en catalán que no es mi lengua materna y he padecido de primera mano esa exigencia terminológica) y va ajustándose como un guante a las descripciones que van desvelándonos el escenario físico donde el poeta espera, piensa y siente. El poema se desenvuelve como una alfombra mágica cuyo recorrido lleva del alma de un hombre al entorno sensual y a los grandes asuntos que preocupan o de los que se ocupan los hombres. La indefinición y vulnerabilidad de la propia identidad, en esencia tan efímera, es la llave oculta del poema, que en su últimas páginas dice: "¿Com un jo, fet a miques, pot tenir el seu llenguatge propi, la seva natural expressió, si aquest jo que tot ho recorda, no entén res? Ni las paraules, ni las coses, ni el que les representa". Y acaba el libro cerrando el uroboros, el círculo taoísta, buscando en el ejercicio de la pluma el sentido global, ya que como dijo el filósofo, "no somos cosas, objetos, pensamiento, somos acto, actividad":

Més enllà dels limits del jardí, la foscor del cel s'estén cap a les fronteres de la llum, eixamplant els dominis de la claredat del que es Intel-ligible. He anat cap a la taula, he agafat llapis y paper, i he començar a escriure: Han vingut uns amics, aquest matí, a veure'm"

FICHA

Han vingut uns amics.- Antoni Marí-- Tusquets Ed.109 págs.12 euros. ISBN 9788483832226

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5 agosto 2016 5 05 /08 /agosto /2016 18:25
Horas en una biblioteca

Hay en este ensayo de Virginia Woolf (cuyo nombre real es Adeline Virginia Stephen, 1882-1941), una serie de artículos publicados en revistas de la época que completa dos libros anteriores de ensayos publicados en Inglaterra en 1925 y 1032 por la Hogarth Press y recopilados por su marido, Leonard Woolf, que añadió dos libros más formando cuatro tomos en 1966-67 bajo el nombre de Collected Essays. Han seguido las investigaciones de los eruditos que han logrado identificar ensayos publicados sin firma en revistas literarias hasta publicar en 1977 el libro "Books and Portraits". De este volumen proceden los que ahora aparecen en el libro que recomiendo en los que hay ensayos biográficos que siguen el camino que abrió el padre de la escritora sir Leslie Stephens y perfeccionó uno de los mejores amigos de la Woolf, Lytton Strachey.

En este libro los admiradores de la Woolf encontrarán también agudos ensayos sobre la lectura, el arte de escribir, música, el oficio del novelista y hasta cine. Virginia que vivió una época difícil de transición., con al primera Guerra Mundial y el afianzamiento de los derechos femeninos de los que la autora de "Una habitación propia" era ardiente defensora."Horas en una biblioteca" fue redactado en aquellos tiempos en los que la sociedad inglesa se transformaba empujada por la crisis humanitaria y de valores. En este ensayo hace una defensa del "lector común", del hombre corriente que debe lograr un lugar en el mundo encorsetado por las clases altas. Escribe sobre la diferencia entre los que leen para aprender y los que lo hacen por amor a la lectura. Y establece que es el lector joven el que interesa proteger pues toma la lectura como un ejercicio híbrido, no sedentario, que se ve impulsado por la energía joven y el deseo acuciante de conocer y experimentar, ya que "la gran época para la lectura es la que va desde los dieciocho años de edad a los 24". Según la Woolf es en esas edades tempranas cuando realmente aprovecha el aluvión de lecturas. Hay que perdonar a Virginia esa parcialidad romántica, ya sabemos que en la realidad toda hora de lectura profunda es benéfica sea cual sea la edad en que se produce aunque con los años uno tiende a volver los ojos hacia los clásicos perennes.

Ella misma se convirtió en una clásica, paradójicamente revolucionando el sentido y la estructura de la novela, como también haría Joyce o Faulkner. Su postura como lectora es crítica, con grandes admiraciones y bastantes rechazos (al mismo Joyce no acababa de aceptarlo), con una sensibilidad que enfrentaba a la Woolf de educación victoriana con la admiradora de autores que experimentan con las voces narrativas y la temática que pretendía, ella misma, innovar la novela como medio de reflejar la realidad. Nos habla de Jane Austen, Joseph Conrad o Dostoievski, entre otros. Disfrutemos con textos como “Yo soy Christina Rossetti” (1930), en el que ironiza sobre los amores de la poetisa y sus represiones religiosas. la Woolf defiende el género biográfico (con las vinculaciones personales y familiares que ya he mencionado) " pues aunque debe basarse en hechos, su lectura y los recuerdos que deja llevarán a nuestra mente a entender y profundizar mejor en otros textos". Significativos ensayos. Siempre es un placer leer a Virginia Woolf.

FICHA

Horas en una biblioteca.- Virginia Woolf.- Traducción y edición de Miguel Martínez-Lage.- Seix Barral.- 368 págs. 19,90 euros. ISBN 9788432229299

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5 agosto 2016 5 05 /08 /agosto /2016 08:04
Red Tails

Siguiendo la huella de "Hombres de honor" con Cuba Gooding Jr. (que repite en esta película) y Robert de Niro, otro intento., más bien banal aunque muy bien filmado, de la mala conciencia norteamericana hacia los negros. Con la estética de los videojuegos que ya comienza a ser una constante en el cine de acción (en realidad el origen es al revés. Sólo que los videojuegos lo han vulgarizado y vuelto previsible) la película no se sostiene demasiado en el guión, previsible por demás aunque trata de ceñirse a los hechos históricos, pero sobre todo cojea absurdamente en los diálogos. Detrás de la producción está George Lucas, no precisamente un novato, y se nota en la espectacularidad de las secuencias, aunque no en la inteligencia argumental. Anthony Hemingway dirige, aunque no se le ha pegado nada de la fuerza de su apellido. Se trata de la historia real de una compañía de pilotos negros, los The Tuskegee Airmen durante la Segunda Guerra Mundial y sin duda se merecía mejor trato. Notas heroicas para emocionar a las abuelas y rociadas generosas de patriotismo barato made in USA. Un buen tema, una mala realización y unos brillantes efectos especiales. Por lo demás, infantilismo bélico a tope y fallos de verosimilitud y coherencia de parvulario.

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