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6 abril 2012 5 06 /04 /abril /2012 07:07

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Una película sobresaliente que nos habla de un entorno (el mundo rural gallego) unos personajes y una historia oscura, llena de recovecos, de angustia y represión, de cargas de profundidad morales, un auténtico thriller tan raro en nuestra filmografía que parece surgido de una de esas sagas nórdicas europeas que ahora están en el candelero.

Dirige con pasmosa habilidad (dado que es un debut, nadie lo diría) Luis Avilés Baquero, de origen colombiano, que parece haber mamado toda su vida el especial ambiente turbio y amenazante de un pueblo costero gallego, lleno de rencores e historias sin aclarar (a veces tiene uno la sensación de estar viendo un "Solo ante el peligro" a la galaica manera) y con el centro de interés en un puticlub, sórdido y peculiar.

Desde el comienzo, el accidente de automovil con la pareja que huye, en el que morirá la joven (cuya identidad no conoceremos hasta muy entrada la pelicula, asi como las circunstancias de su huida) y las relaciones entre los personajes de la trama, el hermano, la hija y la ex esposa del protagonista, el actual marido de ésta, dueño del puticlub del pueblo, parecen envenenar sin remedio las reacciones ante el retorno del protagonista a su pueblo. Este hombre, mecánico exiliado en Bélgica, (Xavier Estévez, magnifica actuación, contenida y natural) regresa para asistir al funeral de su padre. Hay mucho odio y encono contra él por causas que aun no sabemos, y al marchar del pueblo, atropella a una de las señoritas del Club, aunque se demuestra que ya estaba muerta cuando el coche pasa sobre el cuerpo.Las complejidades de la trama van aclarándose conforme avanza la pelicula, cuyo ambiente turbio, opresivo y amenazador es uno de los logros de la película. La cámara filma con luminosa eficacia el lluvioso, triste, mortecino ambiente del pueblo, en el que los reflejos de los neones del puticlub tiene ecos visuales de cine negro americano.

Las referencias a la enfermedad de Huntington, que aclaran la muerte de la joven prostituta y los sórdidos detalles de su relación con el hermano del protagonista (Xose Manuel Olveira, extraordinario) muestran una habilidad narrativa, no por escabrosa menos eficaz, que dan a la película detalles de excelencia. Emilio Gutiérrez Caba en el papel del dueño del puticlub sigue mostrando la maestría que la edad y el oficio dan a todas sus elocuentes apariciones en pantalla. Película pues digna de ser tenida en cuenta, en la que uno solo ha sabido ver ciertos defectos de forma, reiteraciones sobre el tema del pasado, los reproches y los juicios y una cierta falta de lógica de comportamiento del protagonista, defectos menores que no deslucen una obra magnífica que deja el ánimo conturbado.

 

 

 

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5 abril 2012 4 05 /04 /abril /2012 07:58

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La trama de esta serie norteamericana de Sky Movies es sugestiva y más para los que gustamos de todo lo que concierne a los mal llamados cuentos infantiles clásicos. En este caso se trata del famoso "Peter Pan". Se han hecho una decena de versiones del famoso personaje de James M. Barrie en cine y teatro (incluso un musical), descontextualizando la historia como en el "Hook" de Spielberg o en "El país de Nunca Jamás" con el incombustible Johnny Deep, haciendo de Barrie o con un Peter muy realista en "Peter Pan, la gran aventura" de P.S. Hogan donde se pierde la edulcorina en favor del lado oscuro de Peter, sin traicionar al cuento originsal.

Precisamente en esa linea se encuentra "Neverland", una serie de cuatro episodios (he localizado y visto los dos primeros) y me ha gustado tanto pese a las limitaciones que dicta  la serie en televisión, que no vacilo en recomendarles que la  busquen y la vean,

Es una precuela del clásico. Nos cuentan cómo se originó y por qué la historia de Peter Pan y su estancia maravillosa en el país de Nunca Jamás, donde con los Niños Perdidos vivirá aventuras sin cuento. En la serie nos muestran al Peter anterior al momento en que se le conoce habutualmente (cuando busca su sombra en la habitación de Wendy y conoce a sus hermanos, el de la chistera, el del osito).... Peter es un niño abandonado, un huérfano que se gana la vida en el Londres victoriano robando y liderando una banda de niños abandonados, bajko la interesada "protección" de James Hook, un noble arruinado de inmoral y perversa conducta (aunque presuma de proteger a Peter.

 Todos buscan un  misterioro artefacto que les conducirá al pais de Nunca Jamás donde los piratas, dirigidos por una peligrosa capitana y una tribu de indios están a la greña para conseguiir el misterioso artefacto que esta en poder de un extraño mago que busca que  nadie rompa el magico equilibrio de ese muindo maravilloso  donde nadie acumula años y mantiene el aspecto y la vitalidad que tenian  cuando entraron en él.

Aqui nos enteramos de cómo perdió Hook, el  capitan Garfio, su mano y el origen de la rivalidad a muerte de este con su antaño protegido Peter Pan.

Esta version incide en el aspecto realista de lo que suicede, en las luchas brota la sangre y hay muertes, hay dolor y sufrimiento, es una versión oscura que, no obstante, mantiene la fuerza y el compromiso etico y estetico de su original (aunque decididamente muy lejos de la versión de Disney de los 50).

Escrita y dirigida por Nick Willing, un director y  productor que ha versionado cuentos tan escogidos como el de Alicia, Jason y los Argonautas o el Mago de Oz, en series para la tele, dotadas todas de una producción cuidada y a menudo interpretadas por actores reconocidos. En esta ocasión, Rhys Ifans será Garfio, Bob Hoskins repite en su rol de Smee (como en el "Hook" de Spielberg, Charles Rower es Peter y Keira Knightley hace una encantadora versión de "Campanilla" (papel de Julia Roberts en la ciytada y fallida "Hook"),

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4 abril 2012 3 04 /04 /abril /2012 07:39

 

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Hay editores que hacen de sus libros unos objetos deliciosos. José J. de Olañeta, es uno de ellos. Tiene una colección, denominada "Centellas",  formada por libritos de 9x14 cm, que es toda una lección de cómo aportar textos interesantes en poco espacio, escaso precio y presentación sugestiva. He leido una recopilacion de textos breves de Edith Wharton (1862-1937) sobre "Construir una novela". El librito, con una portada  que reproduce "El retrato de una mujer" de Santiago Rusiñol y una contraportada con otra obra de ese autor,  "Novela romántica", excelentemente reproducidos, atraen la vista del futuro lector con una fuerza casi hipnótica. Se trata de un delicioso objeto que enriquece cualquier biblioteca pese a su exiguo tamaño. La impresión es clara y muy cuidada (resulta casi increíble la ausencia de erratas en el texto: sólo me he topado con una letra equivocada en un "momentos" de la página 26) y los textos elegidos (muchos pertenecientes al libro "The Writing of Fiction") son interesantes y, sin  ánimo de pedagogías ni de recetarios para futuros escritores, resultan aleccionadores y, en algunos casos y puntos, muy aprovechables para conocer las opiniones de la novelista sobre otros escritores y obras importantes de la literatura occidental, europea  y americana, entre ellos Goethe, Balzac, Tolstoi, Stendhal, Jane Austen, Sterne, Dumas, Melville, Henri James, Conrad, Flaubert, Stevenson o Thackeray. Cómo presentan sus personajes esos escritores o cómo estructuran sus novelas, los diálogos o temas de construcción literaria, el paso del tiempo en el argumento, la longitud de la novela o la dificultad de cerrar bien la historia. La última parte del librito es un deslumbrante breve trabajo sobre Marcel Proust y su "Recherche". Me ha encantado sobremanera su análisis sobre "los fallos morales" de Proust reflejados en su larguísima novela y esa observación genial sobre la existencia del miedo, el temor a todo, que impregna toda la gigantesca obra --y la vida-- del escritor francés.

No se pierdan este librito (solo cuesta 9 euros). No sólo aprenderán detalles interesantes sobre grandes escritores y su forma de trabajar, también disfrutarán de una prosa elegante y unos comentarios perspicaces.

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3 abril 2012 2 03 /04 /abril /2012 09:15

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Comedia intrascendente aunque bien interpretada por Maribel Verdú y Antonio Melero. Basada en una novela de la sueca Katarina Mazetti, adaptada a la escena por Alain Ganas, un actor que se enamoró del personaje de Pablo y ha logrado armar un excelente juguete escénico, encuadrado en el esquema de la "atracción de los opuestos". La dirección y la versión  castellana ha sido realizada por José María Pou, en continua alza en sus capacidades de hombre de teatro plurifacetal.

Maribel Verdú borda el papel de Laura, una joven viuda llena de inquietudes culturales, algo pedante, bibliotecaria de profesión y que se confiesa admiradora de Schopenhauer y Lacan. Aprovechando la pausa de la comida en su trabajo, Laura va al cercano cementerio de la ciudad a visitar la tumba de su joven marido muerto, atropellado cuando iba en bicicleta. Allí, en la bucólica paz del camposanto, se desahoga de sus frustraciones y su soledad (por cierto las continuas referencias a sus necesidades sexuales y la "rebelión ovárica" que mantiene en ascuas a la joven es lo único excesivo y  reiterativo que padece la obra).

En el cementerio comparte banco con un hombre joven, Pablo, un granjero sencillo y solitario, obsesionado con su trabajo y que acude al cementerio a mantener largas "conversaciones" con su madre, recientemente fallecida. Al igual que la chica, Pablo, aprovecha al principio su monólogo para contar al púiblico de forma directa y llena de humor sus problemas y sus necesidades. Cuando ambos jovenes superan el rechazo inicial y comienzan a relacionarse desaparecen los monólogos y asistimos a un diálogo permanente con acotaciones a la acción en cada uno de ellos. 

Pero desde el primer momento es evidente que esas dos personas sólo comparten una necesidad básica: la de compañía y son dispares y ajenas en todo lo demás que caracteriza sus respectivas vidas.

No obstante, el chispazo se produce (una sinfonía ovárica en el caso de Laura: parece una concesión cómico-revisteril a la galería: lo cierto es que el público, sobre todo determinado tipo de público lo celebraba con llamativas explosiones de risotadas y comentarios: tuve un espécimen de ese tipo a mi lado durante toda la función) y comienza una relación, sexualmente volcánica como era de esperar, pero donde de inmediato se percibe la disparidad de mundos y la falta de sintonía y comunicación que debería dar al traste con la historia, a pesar de los esfuerzos de ambos por dar un cierto sentido a la descabellada relación.

Pablo necesita una mujer fuerte que le ayude a llevar la granja y cumpla las funciones complementarias que él precisa, cocina, limpieza, orden e incluso ayuda en la administración del negocio. Laura quiere un garañón que la deje satisfecha en la cama, pero también un hombre instruido, con interes por el teatro, la ópera, los libros, el psicoanálisis y el arte. Y el tipo de la tumba de al lado se parece tanto a ese ideal de Laura como ella  misma se asemeja al ideal de mujer campesina que busca el granjero. Solo funciona la química -y la fisica-- sexual. Por tanto el desastre es tan previsible como las lluvias en otoño (aunque en estos tiempos ni eso está seguro).

Diálogo ágil, divertido, apropiado a las dos encontradas personalidades que se nos describen, encanto a raudales en los dos intérpretes y un publico entregado a una ficción sin profundidad alguna, que pasa y resuelve, es un decir, el dilema dejando todas las contradicciones planteadas y fiando solo en el "amor" un eventual final feliz. Pero no importa, la dirección de Jose Maria Pou se vuelca en hacernos simpatizar con la pareja --logrado con el granjero y algo mas dificil de conseguir con la bibliotecaria, un poco ridicula en sus pretensiones culturales dado el hombre que tiene al lado-- y dotando a la representación de una escenario minimalista simple y agradable --combada colina de cesped y un diorama de cielo azul con nubes-- donde solo hay un banco que se convierte en dos y luego en uno por exigencias del  momento. A esa sencillez magnífica añade Pou una musica acertada, en  la que  destaca el "Somewhere" de  Tom Waits que acolcha los momentos finales de la obra, abiertos e irrealmente esperanzados.

En fin, se trata de que ustedes se lo pasen bien, parecen decirnos los dos magnificos intérpretes, aunque no acaben de creerse lo que les contamos y menos que podamos aspirar a cumplir nuestros sueños de pareja. Al menos, riámonos juntos y lleguemos al final cediendo el paso a un "¿por qué no?" irreal pero deseable.

  

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2 abril 2012 1 02 /04 /abril /2012 07:26

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 De 1962 data la fecha de la primera "Guerra de los botones" del gran Ives Robert, adaptación  de la novela de Louis Pergaud (publicada con gran éxito en 1912). Recuerdo aquella versión en blanco y negro (vista en los setenta en España, ¿por qué? Que se lo pregunten a los del gremio de censores franquistas. Yo no me lo explico) y el entusiasmo con el que otros niños de mi barrio procedimos a crear unas batallas semejantes, aunque nosotros nos quedábamos con los cinturones del enemigo. En esta ocasión es el director de la popular "Los chicos del coro", Christophe Barratier, quien se atreve con el clásico infantil (¿es una muestra más de la falta de ideas del nuevo cine europeo- del norteamericano ya ni les hablo-- que se ven obligados a recurrir a venerables textos que ya cumplieron de sobras su función?) y lo hace recurriendo al guiño histórico patriotero y sentimental: estamos en la Francia de 1944, en plena ocupación nazi.

Los niños y adolescentes de dos pequeños pueblos vecinos, Veirans y Longeverne, mantienen la tradicional rivalidad que es común entre vecinos. Hay batallas más o menos violentas, venganzas, provocaciones y en torno a ellos, como si no les afectara, la opresiva vida de la Francia ocupada de Vichy y el pomposo y vergonzante mariscal Petain (la secuencia de los niños cantándole en clase al anciano mariscal con la renuencia del joven maestro, cómo no, relacionado con la resistencia, es bastante significativa del sesgo reivindicativo de la película). El tono bucólico, tierno y épico de la primera versión queda en esta desvirtuado por la innecesaria ubicación en el lamentable tiempo bélico de la segunda guerra mundial. Cuesta creer en secuencias como la de los niños haciendo su "guerra" ante la ominosa presencia de los uniformes alemanes, que no solían estar acompañados de sonrisas tolerantes.

Se puede pues integrar "La guerra de los botones" en la continua busqueda del cine francés de hoy de una reescritura de su historia cercana, segun la cual la mayoría de los franceses estaban activamente en contra de la presencia nazi en el país. Quiza la mejor de todas sea la que recrea el internamiento por los nazis de los judíos de París en el velódromo "La redada", de la que les hablamos hace unos días.

Pero volviendo a la película de Barratier (en la que participan algunos de los actores más populares de esta oleada que se inició con "Los chicos del coro") no sorprende el éxito multitudinario que la cinta ha tenido en Francia. Hay una innegable buena sintonía entre los directores franceses y su público (algo de envidia me da, pensando en España). Por lo demás reconozco que el equilibrio entre la comedia infantil, el drama subsiguiente y los tonos trágicos de la guerra que les rodea, el miedo, la represión, el descubrimiento del primer amor, el romance entre el maestro y la joven tendera, está tan bien conseguido que uno no acaba de aplicar el nivel de la realidad histórica a la película y acepta el tono amable en la tensión argumental que se nos propone.

La tentación de establecer una metáfora comparativa entre el mundo de los niños y el de los adultos, era inevitable y Barratier cae en ella de una forma no muy sutil. El paralelismo casi imposible está establecido y uno tiene que ver como los papeles de la resistencia y los colaboracionistas quedan reflejados en las actitudes de los niños. No era necesario, creo yo. Jean Texier, Ilona Bachellier, los niños priotagonistas (entre los cuales no parece existir esa quimica sensual que hace pensar en un futuro amor intenso), Guillaume Canet entre los adultos, junto a Kad Merad (excelente, nos hace olvidar su vena cómica en "Bienvenidos al norte", su aspecto dramático es colosal) y Laetitia Casta, forman un elenco bien avenido que dan credibilidad a la película. Magnifica banda sonora, a veces muy grandielocuente, pero en general muy efectiva, que acentúa los momentos cómicos y los dramáticos. Y vuelta a proponer el tema judío y a entonar una canción de gesta que,  lo sabemos, en la realidad histórica no fue tal. Tópicos pues para acentuar el dramatismo de una historia que no lo necesitaba.

La película sigue pues la trayectoria amable de la obra anterior de su director y la tensión dramática de los dos mundos, el infantil y el adulto, se diluye en un tratamiento bastante blando y sin compromiso histórico. Es una pelicula amable que gustará a todos los integrantes de la familia y una propuesta más de la tendencia del vecino país en idealizar la Resistencia y el patriotismo galo, en un ejercicio de banalización que cuesta mucho de justificar.

 

 

 

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1 abril 2012 7 01 /04 /abril /2012 09:51

TEATROESPANOL.jpgLas personas de mi generación (y aledaños), es decir los que tenían sus mejores años jóvenes en la decada de los setenta, con una televisión española que despertaba de la infancia y se desdoblaba en dos, tuvimos el privilegio de conocer y vivir las emisiones de un programa maravilloso que pone los dientes largos a cualquier persona con inquietudes culturales: Estudio 1.(y no fue el único de aquéllos tiempos que emitía un teatro apenas visible fuera de la pequeña pantalla). Teatro clásico al alcance de todos los españoles (como el No&Do) sólo claro si cumplían el requisito esencial de ... que tuvieran aparato de televisión (entonces, un electrodoméstico no tan evidente).

Pues bien, para muchos españolitos (entre los que se incluye este servidor) "Estudio 1" les permitió acceder a textos teatrales archifamosos, seguramente leidos en formato libro, pero nunca vistos y degustados sobre unas tablas. En 2009, alguna empresa externa a TVE logró volver a editar  en DVD una antigua colección de la casa  (editada el siglo pasado en formato video) que permitía acceder a las viejas funciones teatrales emitidas en los sesenta, la mayoría en blanco y negro, de grandes clásicos interpretados por un elenco de actores y actrices que reunía lo mejorcito de cada casa.

Así, se nos ofrecía el "Julio César" de Shakespeare, "Un marido ideal" de Oscar Wilde, "Los caciques" de Carlos Arniches, "Cianuro, ¿solo o con leche?" de Juan José Alonso Millán, "Las brujas de Salem" de Arthur Miller, "Un enemigo del pueblo" de Ibsen y el "Calígula" de Albert Camus.

Recuerdo, obviamente, a otros muchos clásicos que deberían ser recuperados y editados por RTVE, pero en fin, me doy con un canto en los dientes por volver a disponer de  los que he citado.

Se trata de un documento cultural, social e histórcio de gran valor, no sólo por la recuperación de aquéllas venerables versiones televisivas (realizadas con gran dignidad y muy pocos medios) y volver a ver a algunos actores de una fuerza y sabiduría escénicas magníficas, sino por todos los "bonus" que se ofrecen en forma de biografías de los actores principales y entrevistas a otros actores, escritores y directores de la época. Un documento inestimable de nuestros años sesenta y setenta.

He gozado como un beduino en las playas y vergeles de Tahití, degustando a un Ismael Merlo como Julio César, el gracejo de Jesús Puente representando a Wilde, al gran, enorme, Jose Maria Rodero poniéndose en la sutil máscara de Calígula, la potencia del fastuoso José Bódalo como enemigo del pueblo ibseniano, la venerable Aurora Redondo en la comedia de Millán, la dúctil María Luisa Ponte en la obra de Arniches y la genial Irene Gutiérrez Caba en el drama asfixiante de Miller.

Una gozada inmensa para cualquier amigo del teatro.

A quien competa: ¿para cuándo otro pack con piezas de "Estudio 1" o de "Teatro en la 2" o de "Primera fila"? ¿Saben el tesoro que tiene guardado en sus archivos?

 

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31 marzo 2012 6 31 /03 /marzo /2012 07:11

blancanieves-mirror-mirror-cartel-7.jpg

"Amor es cuando alguien te pasa una patata" dice el enano Glotón, mientras los demás enanos del cuento lamentan que la princesa Blancanieves, jefa de la banda enanos salteadores provistos de pértigas que los convierten en gigantes saltimbanquis,  se haya enterado que la malvada Julia Roberts, quiero decir la reina, se case con el principe Encantador al que ha transformado en un perrito faldero --literalmente-- para  dominarle y reponer sus arcas dilapidadas en fiestas y saraos.  El amor, la aventura, el drama solo apuntado, el humor a paletadas, se cocinan en esta película con resultado no muy apetitoso. ¿Surrealista verisón del cuento de los Hermanos Grimm? Pues sí, además de algo divertida y bastante irreverente. Tarsem Singh, tras haber pasado por los excesos de "Inmortals", se ocupa de hacer una versión un poco gamberra del clásico infantil. Resultado, una película no muy infantil que seguramente divertirá más a los padres que a sus retoños

Tenemos peleas jocosas y nada sangrientas, unos ambientes recargados y surrealistas, acentuando voluntariamente su carácter de decorads, un vestuario bastante hortera, personajes clásicos transformados en cómicos de la legua, un desenfreno saludable aunque travieso y nada sutil y la presencia autoparódica y llena de humor cáustico de una Julia Roberts que no pierde la compostura y la belleza (ya un poco madura, pero rutilante) rodeada de actores y actrices con envidiable soltura (empezando con Lily Collins como la joven y combativa Blancanieves, muy lejos del pasivo papel timorato del cuento.

Grotesca, gótica, tenebrosa en ocasiones, siempre lindando el disparate humorístico, parece una versión adolescente de un Tim Burton en sus inicios, con un príncipe guapo y manipulable, el edecán (Nathan Lane) con un registro cómico magnífico (el mejor de la función) y los siete enanos, un conjunto magnífico que roza la provocación

Lo cierto es que en lugar de una versión moderna del clásico cuento nos encontramos con una visión original  aunque zafia en ocasiones, de lo que se puede hacer con un cuento con ánimo de juego irrreverente pero sin pasarse de rosca. Y ese es el principal defecto de la película: no llega a ser y conformar algo distinto, algo especial. Se pierde en un ritmo irregular que promete gamberrismo paródico y sólo lo consigue en ocasiones. No hay despliegues de efectos espciales y los pocos que se usan no superan la mediocridad, cosa que no importaría si a cambio el argumento y la realización fueran un poco más ingeniosos.En fin, película divertida para pasar una tarde de domingo con ambiente familiar, palomitas y ninguna pretensión

Y un consejo de salud psíquica: eviten si pueden el final tipo Bollywood con música pseudomovidita incluida y danzas sonrojantes.Ese gran actor llamado Sean Bean, haciendo de rey en un par de secuencias, parecía no creerse la escena que montan Blancanieves, el príncipe, los enanos y el sufrido pueblo del cuento. En fin, una guinda inesperada que amarga el modesto pastel que nos han presentado.

 

 

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30 marzo 2012 5 30 /03 /marzo /2012 07:03

amorsiruela.jpgSe trata de un joven filósofo alemán, Richard David Precht (nacido en Sollingen en 1964), periodista y escritor que juega con la divulgación y las ideas con una irresistible lógica, un sentido del humor nada adocenado y una aportación de datos que en ningún momento llega a agobiar al lector.

Su andadura intelectual ha quedado reflejada en dos libros de divulgación filosófica que han coqueteado con envidiables niveles en las listas de best sellers de su país y del resto de Europa. "¿Quién soy y cuántos" (el problema de la identidad, clave en la psicología y en la mística y ahora también en la neurología) y "El arte de no ser egoísta" (ética y filosofía cogidas de la mano) que no tardará en ver la luz en castellano apadrinado también por Ediciones Siruela.

El libro, "Amor. Un sentimiento desordenado",  pulcramente editado por Siruela, ha sido traducido por el catedrático de filosofía de la Universidad de Extremadura, Isidoro Reguera, una de las mentes más claras de la filosofía de nuestro país y un auténtico lujo para este libro  (le debo páginas esenciales sobre Sloterdijk, Popper, Wittgenstein o Nietzche). Así que doble motivo para leerlo.

Por supuesto que lo primero que nos atrae del libro es su vocación analítica disgregadora. Nada de tópicos, nos dice, dejemos de alimentar caducos romanticismos o ideas falsas, "el amor responde a una contradicción interna" es un sentimiento desordenado al que hay que contemplar con "un gran angular" para evitar que se nos escape la percepción de los diversos -y contradictorios -elementos que lo conforman. Y para ello denuncia los novelones del siglo XVIII, las películas de Hollywood, las serie de la tele, las costumbres populares y las ideas machacadas y no digeridas por todos los medios de comunicación, incluidas las nuevas facilidades y cambios  que promueve internet).

El autor enfrenta esos tópicos históricos y actuales a la mirada desapasionada de la biología, la sociología, la psicología y la filosofía. No se trata, nos dice, de un sentimiento caótico, ilógico, sin sentido, un impulso ciego en el que mandan las hormonas sobre la razón. En las dos primeras partes del libro "Mujer y hombre" y "El amor" se realiza ese analisis comparativo pero sin aceptar el habitual rechazo contra lo incontrolable, sino aportando ideas y conclusiones parciales sobre cuestiones como las diferencias que existe en los sexos a la hora de afrontar y delimitar ese sentimiento, ola estructura amorosa y el papel del sexo en ella. Pero en todo momento respetando la inefabilidad del sentimiento, su fuerza, su potencial, su enorme carga enérgética...simplemente exigiendo que se eviten metodologías limitativas, que dejemos de tratar de encauzar estrechamente un sentimiento que, por definición, supera todos los límites y definiciones, categorías y domesticaciones.

En la tercera parte, "El amor hoy", el autor nos habla de la escurridiza lógica propia que tiene el proceso amoroso, lo que supone para sus protagonistas en coste real de cambios y exigencias y la necesidad de comprender lo que supone el amor para sus protagonistas, antes de que la sociedad lo siga convirtiendo en cualquier cosa  con precio y publicidad, es decir que llegue un momento en que el amor "muera de exito" y se transforme en cualquier cosa bien envuelta para vender... y comprar. O lo que es igual, que más que ser un instrumento para dos autorealizaciones, sea una forma más de que uno logre algo a costa de otro, que pierde algo a cambio de nada. Es decir, lo de siempre. 

"El amor es un arte del fracaso", concluye Precht. Hay un tiempo en el que se realiza (a su manera) pero es un tiempo limitado, después se transforma en otra cosa, camaradería, afecto, convivencia, o sus contrarios. El amor como fenómeno complejo con elementos fisicos, biológicos, psicológicos y sexuales, se disgrega en sus componentes y se transforma. Pero el autor incide en las diferencias entre enamoramiento y amor, ya que la  necesidad de un objeto del deseo del primero y el "estado interno sin objeto" del segundo, los hacen irreconciliables. En suma, no se trata de un sentimiento místico sino de algo que abarca el todo de la persona amada para la persona amante. En ese contexto, la infidelidad es imposible, pero también lo es el altruismo total, "a nadie le gusta amar sin ser amado". Tal vez por estas contradicciones, el amor no  suele durar más de tres años, dice Precht.

Pero ese estado interno que nos acomete alguna vez en el transcurso de la vida debe ser aceptado con un sentido realista y evitar que se contamine con los tópicos románticos o confundirlo con el enamoramiento o la simple atracción sexual. Lo cierto, segun Precht, es que el amor verdadero consiste en "dar todo y no esperar recibir nada" (aqui se acerca al tópico místico y se descuelga con que sólo el amor de Dios es así y nadie cree mucho en ello, idea con la que explica la decadencia de las religiones).

En resumen, Precht nos ofrece una batería de pensamientos, ideas y datos expuestos con gran claridad sobre un sentimiento que no es nada claro y nos reenvía no a una definición, que sería una traición a su texto, sino a un estado del ser, un estado interno con el que hay que vivir el  amor cuando nos llega. Asumiendo ya de entrada que no hay forma de explicarlo y que cada uno lo viva como pueda, pero siempre sin traicionar su esencia.

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29 marzo 2012 4 29 /03 /marzo /2012 09:23

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Dirigida por Richard Holm, se trata de una película bélica de nacionalidad sueca, en la que nos narra la peripecia de un grupo de soldados que se        enfrentan en la zona fronteriza de Suecia con Noruega contra las tropas nazis que están preparando, a despecho del acuerdo de paz y neutralidad sueca con la Alemania nazi, una invasión del país nórdico.

Los soldados suecos pertenecen a una unidad especial del Ejército encargada de vigilar la frontera para avisar de una posible invasión, unidad que se mantiene al margen del Ejercito regular sueco. Durante el enfrentamienrto, el  hermano de un teniente encargado de esa unidad es tomado prisionero por los alemanes que lo torturan en busca de infoemación. El teniente, ayudado por un soldado con experiencia en el combate y un francotirador aislado de la guerrilla, tratarán de llevar a cabo una misión de rescate que acabará con todos pero logrará salvar al soldado prisionero.

La película rodada en los lugares donde se desarrolló la acción (que provocó que las autoridades suecas hicieran saber a Hitler que conocían sus planes, lo cual obligó a mantener el tratado, cosa posible por el recrudecimiento de la guerra en otros frentes para las tropas alemanas) muestra claramente la heroicidad del débil frente a la maquinaria bélica alemana, pero también la capacidad de los suecos para luchar en un territorio hostil que era su propia tierra en el duro invierno.

Llama la atención las secuencias en las que observamos el estupor y la angustia de soldados que creían estar al margen de la guerra nazi y se enfrentan a la muerte y la tortura con sorpresa, miedo e indignación. No hay héroes incólumes en esta película, sino hombres que reaccionan con miedo y dolor y a veces se quedan inermes por el horror ante los ataques y y las muertes que provocan sus supuestos "amigos" alemanes. 

Interpretada por Mathias Alstadaster, Christer Brostrom y Anton Damperud en los principales papeles, da una visión honesta y realista de la diferencia de preparación entre los soldados alemanes y suecos y una panorámica desapasionada de los métodos nazis en un territorio internacionalmente neutral.

Resulta ser un filme que se ve con interés, mantiene un ritmo irregular pero logra su finalidad: dos horas de acción en la que se dejan cabos sueltos pero se sigue la peripecia personal de esos hombres, en los que los intereses personales, el amor, la familia, logra exacerbar su heroísmo hasta el fin. No es una gran película pero es un producto digno que nos acerca un episodio de la historia que es poco conocido y que ilumina el curso político que en aquellos años terribles tomó la historia en unos determinados países.

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28 marzo 2012 3 28 /03 /marzo /2012 07:04

ELS-20DOLENTS-202.jpgNo me había fijado demasiado en este actor. Me consta haberlo visto en alguna ocasión, correcto, buen conocedor de su oficio, una presencia de secundario de lujo. Estaba equivocado. Manel Barceló es un primer espada, un actor que rebosa talento, un camaleón que puede ser lo que se proponga aparentar. Lo he visto en la pequeña --y rebosante--Sala Muntaner. Él sólo en escena. Escenario vacío. Solo el juego de focos, alguna sombra chinesca, sin vestuario, sólo voz, gesticulación, movimiento, miradas, sonrisas, gritos, onomatopeyas (unos ecos de la mímica y los ruidos bucales del gran caricato, el histrión desaparecido, Pepe Rubianes, nada de su mala leche, aun hablando de villanos).

Dirige, con pericia, Ramón Simó y se representa el monólogo del actor y dramaturgo británico Steven Berkoff "Shakespeare villains", titulada en Barcelona "Els dolents".  En la sala a oscuras tras unos cortinajes del fondo del escenario sale un hombre delgado, de estatura media y rostro inteligente de expresión firme aunque facilmente cambiante. Lleva en una mano, sin quemarse, una llama que le ilumina el rostro muy teatralmente. Es el Proteo actor que le ha robado el fuego de la inspiración al dios Shakespeare. Porque de eso se trata. De asumir a una serie de personajes crueles, malvados por inteligencia o por cobardía, algún sanguinario perturbado mental, sujetos imperecederos nacidos de la portentosa imaginación del Cisne de Avon.

Una hora y media portentosa, sin descanso, en la que Manel Barceló se vuelve Ricardo III con su cojera y su cuerpo contrahecho, Macbeth, Hamlet, Shylock de "El mercader de Venecia", Yago de "Otelo", Coriolano o el Oberon de "El sueño de una noche de verano". Pero también imita a Laurence Olivier o a John Gielgud, se cachondea de Al Pacino o de Kenneth Branagh, ironiza sobre Flotats y los actores famosos de la tele que se enfrentan a papeles teatrales en el cara a cara de la sala y el público, sin posibilidad de repetir si sale mal como en el cine o en las series

Los "villanos" de Shakespeare van sucediéndose y entre ellos, como técnica de hilación, Barceló hace comentarios, críticas, imitaciones, chistes con mayor o menos adecuación y gracia mediocre, es quizá la parte menos conseguida de la, en general, magnífica función. Comparar a Ricardo III con Franco, Hitler o Bin Laden, me parece rizar el rizo, sobre todo cuando antes ha definido al rey inglés como un malvado inteligente.

Cuando nos habla de Hamlet, nos presenta la escena en la que el príncipe le reprocha a su madre ásperamente que sustituyera a su padre por su tío, tras la muerte -asesinato- del primero. El actor hace de Hamlet, de su madre Gertrudis y del asesinado Polonio, padre de Ofelia. La broma de las nalgas resulta distendida pero innecesaria, aunque el público se lo pasó en grande

La versión en catalán es obra de Marius Serra que busca el equilibrio, casi siempre lo consigue, entre el mensaje sumamente elevado del Bardo y esa cierta vulgaridad que a veces sorprende per o que uno acepta porque no es mas que otra cara de la moneda teatral, y que en este caso sirve para nutrir de referencias a la actualidad a unas obras que nunca han dejado de ser  actuales, a pesar de los 500 años transcurridos desde que nacieron para la escena.

Y esa es la impresión básica que deja esta obra en el espectador, al menos en mí: he visto actual a un hombre que ha nacido para la escena. Porque, además de ofrecernos ese calidoscopio de malvados shakesperianos, Manel Barceló nos da un cursillo rápido pero profundo sobre lo que significa actuar, sobre el oficio de actor, su grandeza...y sus miserias. Y es evidente que sabe de lo que habla. Fascinante.,..

 

 

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