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2 marzo 2015 1 02 /03 /marzo /2015 10:45
El francotirador americano

Lo último del gran Clint Eastwood es tan ridiculamente maniqueo y patriótico (en el aspecto más ofensivo, agresivo y racista y menos racional) como brillantemente filmado, notablemente interpretado y con un aspecto técnico y de producción ejemplares. Pura ambiguedad. Con la edad y la falta de control emocional, Eastwood está haciendo la misma deriva absurda y fascistoide que hizo el recordado John Wayne, con sus panerígiricos de los Boinas verdes o Stallone con sus "Rambos". La importante diferencia es que Eastwood es un director más completo y domina muchisimo más los resortes de la calidad cinematográficas.

Pero frases como "Mira lo que nos han hecho" (ante las imágenes del 11 S), "me siento letal" y "Vengo a matar terroristas" (y no son las más significativas), van surgiendo sin cesar en el simple pero efectivo asesino legal que es el francotirador. Resulta significativo que este película, que a muchos nos puso los pelos de punta por su patriotero mensaje maniqueo, racista y triunfalista y sus imágenes y comentarios de dudosa ética a favor de la demonización del enemigo, se ha convertido en un éxito a la altura de "Avatar" y el mejor estreno de Clint Eastwood en números comerciales y con seis nominaciones a los Oscar. “En tierra hostil” (The Hurt Locker), la cinta de Kathryn Bigelow, también con un Oscar a la Mejor película tuvo la menor recaudación de la historia de las ganadoras al premio. American Sniper ya supera los 200 millones de dólares en taquilla, recién estrenada..
Pero a nivel político las cosas no son tan inocuas: desde el estreno de la cinta se han triplicado las amenazas a árabes y musulmanes en América se han triplicado. ¿Hasta qué punto es aceptable que un producto cultural como es una película no tenga en cuenta la sensibilidad de otras culturas sobre algunas formas de vida e incluso las ridiculice o las ataque o provoque al estilo de " The interview" o lo de Charlie Hebdo?
En la película de Eastwood los Iraquíes nunca son tratados como personas sino como sujetos amenazantes o como objetivos de un rifle de alta precisión. Resulta aberrante cuando uno sólo es capaz de ver un aspecto del problema y demoniza al contrario para justificar la crueldad y el exterminio.

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2 marzo 2015 1 02 /03 /marzo /2015 10:20
Viento en las velas

Dirigida por Alexander MacKendrick y basada en la novela "A High Wind In Jamaica" (1929), de Richard Hugues, se estrenó en 1965 y como ocurrió con "Otra vuelta de tuerca" sobre la novela de Henry James o "El señor de las moscas" de William Golding, se nos brindaba --de forma menos tétrica y dramática-- una visión de la supuestamente idílica e ingenua infancia seguramente más acorde con la realidad que con los almibarados discursos de Disney, de los "Robinsones suizas" o del Verne de "Dos años de vacaciones". La trama es parecida a las de Verne o Golding. Es decir, grupo de niños enfrentados a una situación difícil, peligrosa y librados a sus propias fuerzas o maquinaciones defensivas u ofensivas.

En el caso de esta película, los niños van manipulando su presencia entre piratas y las características de algunos de ellos para no solo salvarse a si mismos sino hundir a los otros. Pero vean la película y comprenderán las comparaciones que he esbozado. La trama se desarrolla en 1860 en Jamaica y las aguas del Caribe y del Golfo de Méjico. Una pareja de colonos ingleses en Jamaica, deciden enviar a sus hijos a Inglaterra en el velero Clonilda, que en alta mar es abordado por unos piratas. El capitán pirata es interpretado por Anthony Quinn y su segundo por James Coburn. Los niños se refugian en la bodega y los piratas se llevan el navío sin saber que también se llevan a los niños, que son descubiertos cuando han dejado a la otra tripulación que regresen a tierra en su viejo bajel. El capitán pirata, siente debilidad por los niños. La trama desarrolla un relato de piratas y niños, en el que parecen que cada bando se comporta de manera diametralmente opuesta. Parece como si los piratas terminaran siendo victimas de la inconsciente crueldad de los pequeños. Cuando la nave es capturada por la armada inglesa y los piratas son llevados ante los tribunales comienza la parte más interesante de la película, en la que la ambigüedad infantil, su discutible "inocencia" e irresponsabilidad, su indiferencia y los intereses de los adultos parecen hacer oscilar de forma perturbadora toda la pretendida moraleja del filme .

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1 marzo 2015 7 01 /03 /marzo /2015 10:46
En defensa de los ociosos

Delicioso opúsculo de Robert Louis Stevenson (sí, el autor de "La isla del tesoro" entre otras maravillas) donde ya de entrada se nos espeta: "No hay deber que infravaloremos más que el deber de ser felices. Siendo felices, vamos sembrando por el mundo anónimos beneficios, que nos son desconocidos incluso a nosotros mismos y que, cuando eclosionan, a nadie sorprenden más que al benefactor. No nos confundamos. No es que todos los ociosos sean felices, pero hay más probabilidades de encontrar un ocioso feliz, que de encontrarlo entre toda esa turbamulta de ocupados que siempre tienen prisa." Pag. 17. Pero no todo el librito que edita Taurus en sus "Great ideas" va de ociosos y ociosidad, sino que la fértil y divertida prosa de Stevenson nos regala los consejos a "un joven caballero que se propone seguir la carrera del arte", o nos habla de los estragos que provoca el enamoramiento en cualquier hijo o hija de vecino, de los estragos que la vejez debe afrontar y el orgullo desmesurado de quienes se creen jóvenes para toda la vida (si es así, qué mala suerte, ¿no les parece?), de la capacidad de todo buen viajero y caminante de encontrar cosas bellas en sitios horrendos...Además nos habla de las comunidades de pintores y escritores que asientan sus reales por las cercanías del bosque de Fontainebleau y luego da un salto oceánico y nos lleva hasta Monterrey y sus comunidades inglesas, yanquis, mejicanas, indias y chinas, para terminar ofreciéndonos una somera visita a un bosque repleto de artistas del pincel.

He disfrutado con este breve compendio de sabiduría stevensoniana, sonreído con su jovial sarcasmo y admirado la delicadeza de su mirada poética. Pero lo que mas me ha atraído es su insobornable sentido común: "Es mejor encontrar a un hombre o a una mujer feliz que un billete de cinco libras. Esa persona irradia buena voluntad y cuando entra en una estancia es como si se hubiera encendido otra luz. No debe interesarnos si son capaces de demostrar el teorema de Pitágoras; hacen algo mejor, demuestran en la práctica el gran Teorema de la vida que merece ser vivida". ¿Se puede ser más claro?

FICHA

EN DEFENSA DE LOS OCIOSOS.- R.L. Stevenson.- Trad. Belén Urrutia.-Ed. Taurus. 124 págs. 6,99 euros

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1 marzo 2015 7 01 /03 /marzo /2015 08:25
No confíes en nadie

Buen thriller dirigido por Rowan Joffé, con la inestimables presencias de Nicole Kidman (que mueve bien sus difíciles registros emocionales), un Colin Firth desacostumbrado pero como siempre magnífico, austero y contenido y un Mark Strong excelente en su firme papel de psiquiatra. El punto de la película es la enfermedad cerebral de Nicole, provocada por un accidente, que padece una extraña forma de amnesia anterógrada que le hace vivir todo como si fuera nuevo cada 24 horas, olvidando todo lo anterior. Debe empezar cada día su vida desde cero vivencias y recuerdos en su mente. Una especie de "Día de la marmota" en clave de drama psicológico y casi tragedia de pareja y familia. La desconfianza y al mismo tiempo la fe como sistema de anclaje emocional (con todas las trampas y peligros que acarrea), son los extremos en los que se mueve la pobre joven. Una -discutible- terapia de acomodo a partir de un punto seguro (la llamada matinal del psiquiatra) va haciendo que el espectador acompañe a Nicole en su calvarios y los giros de la trama van sembrando de inquietud y angustia no sólo la pantalla sino al patio de butacas. En el caso de Nicole, no se debe confiar en nadie nos dicen una y otra vez. Rowan Joffé potencia la intriga, la sorpresa y los giros del guión, pero se olvida de profundizar en sus personajes y analizar los problemas de todo tipo que una patología así produce en sus víctimas, así como la problemática específica de la relación matrimonial y el papel de la sociedad. Tanto la fotografía, como la música o el montaje son notables, pero el guión se salta la historia de la novela de S.J. Watson en la que se basa y no parece que sea para bien. Recuerda un poco las estrategias de memoria de "Memento"(2000), aunque la resolución es diferente y sobre todo los actores, ese trío magnífico, rozan la excelencia. En menos de hora y media, se producen varias "vueltas de tuerca" que hubieran encantado al maestro Henry James.

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28 febrero 2015 6 28 /02 /febrero /2015 09:43
La mujer rebelde

No siempre una película antigua puede aspirar a convertirse en un clásico. Ni siquiera con el "Indio" Fernández (se llamaba Emilio) como director y Paulette Goddard y Pedro Armendáriz como protagonistas. A veces se queda en eso, una película antigua, destinada a Cine Clubs y a fanáticos del Septimo Arte y profesores, que sabrán apreciar los asombrosos juegos de luces y sombras y los movimientos de cámara del "Indio", un director mexicano con grandes merecimientos para figurar en la historia del cine. pero no con esta película. Aunque muestra su maestría en la simple secuencia inicial, en la fábrica de vasijas de cristal. Bellísima.

"La mujer rebelde", en inglés "The Torch" y en España, "Del odio nace el amor", es un melodrama ambientado en la inquieta época mexicana de los golpes de estado militares, las "asonadas". Es un festival de mohínes y excesos de la Goddard que se empeña en actuar como en el cine mudo (aunque la película es de 1950) y un Armendáriz todo cejas y miradas lánguidas. El argumento es inenarrablemente absurdo y los secundarios parecen contagiados de la Goddard, excepto un par, el cura y el médico que se comportan. El general mexicano que toma por las armas al pueblecito donde nació y se enamora perdidamente de la hija del rico local. En fin, lo dicho, película salvable por la belleza y la originalidad de la cámara del Indio F. Parece ser que se trata de un "remake" del "Enamorada" de María Felix que se había rodado solo cuatro años antes.

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28 febrero 2015 6 28 /02 /febrero /2015 09:20
El hombre más enfadado de Brookling

El dia de la ira para un pacífico ciudadano que es premonitoriamente encarnada en una de sus ultimas películas por el generalmente bondadoso y depresivo Robin Williams. Diálogos bastante ásperos, una cierta histeria argumental y un interprete que es un triste remedo del actor en sus buenos tiempos, pero que ya deja ver bajo su sonrisa triste que se le acaba el tiempo (como al final sucedió por decisión propia). Oscilando despistadamente entre el drama lacrimógeno y la comedia tontorrona del tipo familia que se hunde y antihéroe empecinado en el fin, a pesar de los sermones recurrentes sobre la alegría de vivir y la neurosis de la autoayuda. Mila Kunis hace lo que puede por equilibrar la balanza. Al abogado cascarrabias --tragedia familiar más o menos escondida- la den 90 minutos de vida y trata de aprovecharlos patéticamente. Es la historia de un despropósito gesticulante con un Robin en horas bajas y Mila Kunis haciendo de médica auto drogada por la desesperación de no ser fiel a sus sueños. Peter Dinklage, genial como siempre ese hombrecito de gran estatura moral como actor, Richard Kind y un sorprendente James Earl Jones en una secuencia histriónica sobre un vendedor tartamudo, componen sus personajes de apoyo. Final tópico para una película que podría haber sido mucho más interesante, cómica y sugestiva. Phil Alden Robinson, el director, se deja llevar por la truculencia del tema..

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27 febrero 2015 5 27 /02 /febrero /2015 10:21
BASHO:De camino a Oku...

"No se cuándo con exactitud pero un día, de pronto, se despertó en mí ese deseo irresistible de dejarme llevar por el viento por esos caminos, como hace con las nubes en el cielo...". Así comienza "De camino a Oku" uno de los escritos que reúne el editor José J. de Olañeta de uno de los grandes, si no el más grande, poeta japonés experto en hai-ku, Basho. Este pintoresco Diógenes japonés del siglo XVII, andarín consumado, hombre espiritual y uno de los más citados por los maestros zen de ayer y de hoy como ejemplo de vida inmersa en las cosas del alma sin descuidar en modo alguno el cuerpo, sigue siendo un referente de la literatura universal, aunque en su aspecto menos popular y más erudito. Sus versos son la expresión inmediata, fulgurante de un momento hermoso, estremecedor, que ha capturado la sensibilidad del poeta y que siempre tiene algo que ver con la seducción que la Naturaleza ejerce sobre el ser humano.

Hay numerosas ediciones de sus hai-ku pero la presente, versión del poeta Jesús Aguado une algunos ejemplos de las composiciones poéticas de tres versos de 5-7-5 sílabas, los textos en prosa reunidos como "Diarios de viaje". La valía del volumen se realza con las notas, el prólogo y la cronología que Aguado facilita y permite situar a Basho en su tiempo y su forma de vida. Este poeta japonés, descendiente de una familia de samuráis, abandonó la disciplina férrea de su orden militar y se dedicó a la literatura y a la práctica y estudio del zen. Su concepto de la unión con la Naturaleza y su fusión mística con el Todo le convirtieron en un peregrino permanente por las tierras de su país, descansando a menudo en su cabaña de Yedo, hasta el final de sus días, en 1693 (con 49 años enfermó y murió en Osaka).

Mezcla de libro de viajes, poemas, diario y narración, este corto volumen se lee con creciente interés, seducidos por su profunda humanidad y su aliento poético. La búsqueda de la armonía vital es la misma que lleva a Basho a promover la armonía de sus composiciones poéticas y la de la Naturaleza. "Mundo de lluvia/en esta vida estamos/solo de paso", concluye.

Bashō, camina de continuo, con pocos días de descanso sin apenas, con la vestimenta basta y simple, sandalias de paja, un mantón para el frío y un sombrero cónico hecho con tiras de corteza de cedro. Pura sencillez, profundidad y contemplativa quieta y serena ante los arroyos, las montañas, el paso por las posadas humildes (repletas de chinches o ratas) y dejando, como prenda votiva, un verso suyo colgando de un alero como obsequio a quienes le dieran cobijo. Siempre con aspecto débil, achacoso, a menudo enfermo, irradiando a pesar de ello una fuerza interior que iluminaba su triste figura. Un Don Quijote de la poesía abocado a la empresa idealista de mostrar la belleza del instante a los demás seres humanos. Como él mismo escribió: "Dentro de este cuerpo perecedero, compuesto de cien huesos y nueve orificios, reside un espíritu que, a falta de una imagen más adecuada, podemos pensar como si fuera algo parecido a un soplo de viento." O, " Sentado bajo la luz de la luna, me lamento por mi falta de vino y, cuando me acuesto, por la delgadez de mi manta".

FICHA

DE CAMINO A OKU...Basho.-Versión de Jesús Aguado.- José J. de Olañeta.Editor.- 157 págs. 12 euros.

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27 febrero 2015 5 27 /02 /febrero /2015 08:42
My old Lady

Excelente película debida a la batuta y el guión de Israel Horovitz (que ya recibió un premio al mejor guión por la película húngara "Sunshine" en 1999, que cuenta con interpretaciones notables del trío protagonista, una genial Maggie Smith, Kristin Scott Thomas (para mí en su mejor película) y un histriónico Kelvin Klein que, pese a los disparatado e incómodo de su papel, logra momentos de gran emoción. Basada en una obra teatral que creo pertenece al citado director y guionista, logra en su adaptación cinematográfica jugar la baza de la imagen en secuencias rodadas por las calles de París (algunas tan significativas como el dúo operístico --la célebre aria de "cogeré tu mano" del "Don Juan" de Mozart--) con las secuencias dominantes de las interrelaciones entre los tres personajes: la anciana dama que vive con su hija madura en un palacete del centro de París y el borrachudo e irónico norteamericano de media edad que viene a tomar posesión del caserón, propiedad de su padre fallecido. El caserón está sometido a un usufructo condicionado y debe esperar a que la inquilina, la anciana, fallezca para poder venderlo. Allí descubrirá que en realidad se trata de la amante de su padre en el pasado y de una historia que descubre los --muy-- dramáticos hechos que conciernen a todos los miembros de dos familias desequilibradas por un amor juvenil que ha cumplido el medio siglo.

Un guión un poco excesivo pero indudablemente inteligente, con diálogos de una dureza irónica y un salvaje humor que tiene al espectador siempre atento e interesado. La presencia ocasional de Dominique Pinon, el característico actor francés de rostro inenarrable, le da un toque exótico de humor surrealista al filme. Lo que se juega entre los tres personajes tiene enjundia y profundidad., más de la que aparece en pantalla con la vestimenta de comedia costumbrista entreverada de drama familiar. Lo dicho, magnífica.

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26 febrero 2015 4 26 /02 /febrero /2015 08:52
EL BANQUETE

Platón nació en Atenas de una noble familia en 428 a.C. Su verdadero nombre era Aristocles pero se le llamó Platón por sus anchos hombros. Empezó en la vida política pero se avergonzó de las mezquindades y tropelías de la lucha por el poder y se dedicó a la Filosofía junto a su maestro Sócrates. Fundó la Academia en Atenas, tras la muerte de Sócrates, desplegando una actividad de maestro y escritor durante 40 años. Murió en 347 a.C, durante un banquete nupcial. Esta obra, uno de sus célebres "Diálogos" está dedicada en su mayor parte al análisis del amor, en el que distingue el amor intelectual, el amor a la belleza del cuerpo o del alma, el amor a las ciencias y en general al horizonte de lo Bello "del que se nutre el espíritu para "engendrar los pensamientos y los discursos de una filosofía de horizonte ilimitado". Eros es la filosofía indomable, la búsqueda inextinguible.

El Banquete tiene lugar en casa de Agatón, el poeta. Platón no asistió, tenía entonces 11 años y se limita a "recrear" lo que pasó. A propuesta de Fedro los asistentes (entre ellos el comediógrafo Aristófanes) hablarán sobre Eros. Sócrates escucha a todos y concluye diciendo que Eros no es ningún dios puesto que desea la belleza y el bien y si desea algo es que no lo tiene, luego no puede ser dios, que lo tienen todo. Es un mediador entre la opinión (doxa) y la sabiduría "episteme". No es dios pero tampoco mortal, es un "daimón", un intermediario. Representa la búsqueda de la belleza y lo bueno. El impulso erótico permite elevarse de lo caduco y singular a lo eterno e ideal (de esta manera abre la puerta al misticismo). En este volumen, Taurus añade la alegoría de la caverna, aunque pertenece a otra obra, el diálogo de "La República" , y analiza el concepto de conocimiento en el hombre, gracias al cual podemos captar la existencia de los dos mundos: el mundo sensible (que conocemos a través de los sentidos) y el mundo inteligible (alcanzable con el uso exclusivo de la razón). A este mundo pertenecen las esencias o ideas y por lo tanto, la idea de Bien que es el fundamento de todas las ideas restantes que forman el mundo sensible.

FICHA

EL BANQUETE.- Platón.- Greats Ideas. Ed. Taurus. Trad. Patricio de Azcárate. 115 págs. 6,72 euros

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25 febrero 2015 3 25 /02 /febrero /2015 10:25
Taken (3)

Aunque no tan redonda como la primera entrega de la saga, una notable cinta de acción en la que la contundencia de la trama envolvía al espectador haciéndole partícipe de la angustia y la agresividad vengativa del personaje, el carisma de Liam Neeson logra perfilar una especie de antihéroe que ejecuta su trabajo si abandonar en ningún momento una cierta dignidad personal. En esta tercera entrega digamos que el asunto ha perdido espontaneidad, pero sigue siendo trepidante la acción y convincente el trabajo, un tanto ya exagerado y acercándose a un Bond o a un Bourne madurito y más humanizado.

Quizá en esta ocasión el argumento (la ex-mujer del protagonista, Liam, es asesinada y él resulta ser el máximo sospechoso) un estilo de trama repetida hasta la saciedad desde aquella serie de televisión de los sesenta, "El fugitivo", el doctor Kimbel perseguido semana tras semana por el asesinato de su esposa que no cometió por supuesto) a pesar de la pericia indudable de los guionistas Robert Mark Kamen y Luc Besson, no logra evitar la sensación de que es un producto de encargo realizado a toda prisa para terminar con la saga de una forma rentable.

Ni tan solo Forest Whitaker., como agente de policía, logra convencernos a pesar de sus tics, secundando a un Neeson que parece ya un poco aburrido con estos papeles demasiado activos para su edad. El director Olivier Megaton no refleja tampoco especial pasión ni en el montaje ni en el ritmo, siguiendo la tónica habitual en este género de acción ya tan trillado, abundando en la irrealidad y poca verosimilitud de algunas secuencias.

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