Overblog Seguir este blog
Administration Create my blog
4 enero 2015 7 04 /01 /enero /2015 11:33
El amor llamó dos veces

Una fresca comedia norteamericana de los años 40, justo durante la Segunda Guerra Mundial, que nos muestra de una manera ingenua pero ilustrativa el clima que se vivía en el Washington belicista (cuando a cada hombre le correspondían al menos ocho mujeres como no se cansa de repetir el coprotagonista), con superpoblación, falta de viviendas y situaciones de realquilados, chabolistas y menesterosos por toda la ciudad. Las suaves y disimuladas criticas implícitas a la situación y la aportación de imágenes documentales integradas sabiamente en la película (taxis al modo árabe siempre obligados a viajar llenos por viajeros que no se conocen, colas ingentes, diversiones callejeras o comunales, desorden amoroso) muestran a un director, George Stevens, con mucho oficio, mucha ironía y un saludable y algo ingenuo sentido del humor. Aunque es un director que se llevaría más tarde dos Oscar por “Gigante” y “Un lugar en el sol”.

Divertida, irregular y a veces un poco vergonzante por los mensajes implícitos sobre el papel de la mujer y las relaciones y el matrimonio, no podemos olvidar la época en que se rodó y las creencias entonces en vigor. Un principio excelente con la autoridad del veterano Charles Coburn (que se llevaría un Oscar al mejor actor secundario). Excelente aunque un poco demasiado histriónica Jean Arthur, eficaz como siempre, aunque menos que en otros clásicos como cuando da réplica a Gary Grant en "Solo los ángeles tienen alas" de Howard Hawks. Aquí juega con un estólido Joel McCrea que se limita a posar de guapo pero que sabe ajustarse a las secuencias mas divertidas de la película, bajo la batuta de los rígidos horarios de la Arthur. La agilidad de las secuencias de la vida en común de las tres personas en el pequeño apartamento, con puertas y ventanas que se cierran y abren con estrépito entre confusiones y correrías de los personajes, tiene la gracia del viejo Lubitsch. En fin, deja un agradable sabor de boca y uno aprecia la sana mordacidad del guión y la notable realización de Stevens..

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
4 enero 2015 7 04 /01 /enero /2015 10:34
Un home que se'n va

Brillante, magnífico trabajo antropológico, político-social, humanístico, periodístico y documental y todo servido por un dominio del arte de contar, de emocionar... porque lo que cuentas te hace derramar lágrimas, gritos de dolor, sonrisas tristes, vergüenza, porque lo que cuentas, a pesar del frio aporte de datos, cifras,, documentos judiciales, la prosa mecánica, burocratizada y exasperante del franquismo, porque a pesar de todo eso (y a pesar, no por citarlo en ultimo lugar, menos importante) el lector que escribe estas líneas es andaluz y no domina el catalán hasta el punto de poder juzgar su calidad, que presumo alta, --lo que añade ciertas dificultades a la lectura, aunque solo en pocas ocasiones he tenido que recurrir al diccionario--. Pues bien, por todo esto el libro de mi viejo colega Vicens Villatoro (nos conocimos en el Festival de cine de San Sebastián en los años ochenta y luego nos hemos cruzado en la vida profesional barcelonesa, ambos somos periodistas) es un volumen memorable que me ha entusiasmado, enojado, irritado y sobre todo, emocionado. Gran trabajo, amigo. No se si lo tienes previsto, pero no estaría mal una edición en castellano para que el resto del país comprenda algunas cosas. Nunca tan oportuno como en estos tiempos.

Profundo, doloroso viaje a las entrañas de tu vida familiar, amigo. Qué inteligencia y sutilidad en los comentarios, qué elegancia dolorida incluso en tu reflexión sobre la condena a muerte de tu abuelo Vicente Villatoro Porcel (que le es conmutada pero no se le informa de ello hasta tres años después, en una espera angustiosa). Qué apasionada búsqueda de rincones, tierras y paisajes, amigos, conocidos, gente que le conoció en cualquiera de los destinos que tuvo durante su durísima existencia. Qué habilidad analítica irónica, fría y hábil de los textos de los documentos que siembran su vida de perseguido y represaliado. Qué sutileza en la descripción de las fotos que jalonan el libro. Qué amargura profunda en el rostro de ese hombre de sesenta años que tiene que marchar --una vez más-- de su pueblo natal en la provincia de Córdoba para poder sobrevivir. Asi comienza Villatoro su periplo emocional y físico (Castro del Río, Tomelloso, Córdoba, Burgos, Terrassa) a través de unos hechos, inmersos en la tragedia española, pero plenos de un hiriente calvario personal. Y, como añadido que valoro en especial, las sensatas reflexiones filosóficas del autor sobre, como diría Anna Arendt, la vulgar y rastrera banalidad del Mal, con mayúsculas. Y ha sido un Mal, un Terror y una miseria mezquina "nuestros", de todos los españoles, como decía el NODO, que nunca hizo honor a ese lema. Por eso, amigo, un fuerte abrazo de enhorabuena y un ruego: traduce tu libro y lánzalo por todo el territorio de este país que aún tiene helado el corazón.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en comentario literario
Comenta este artículo
3 enero 2015 6 03 /01 /enero /2015 10:31
Dios mío, qué te hemos hecho

El caso es que la comedia francesa sigue pegando con acierto entre determinado público, no muy exigente, aunque por cauces previsibles y cómodos, no excesivamente notables pero si eficaces. Quizá lo que más le envidie a esa cinematografía es algo consustancial con los franceses (y que deberíamos algún día poder importar si aprendiéramos cómo) es decir, su apoyo a todo lo que es francés, su obstinada calificación positiva de cuanto hacen y la asombrosa miopía de pensar que todo lo que producen en bueno, nuevo y admirable (no es así ni de lejos, pero les sobra razón para hacer lo que hacen a fin de que los demás se lo crean).

Volviendo a esta película de título tan largo e irónico. me cuentan que ya han superado la decena de millones de espectadores en su país y aquí no dejan de sumar entusiasmados clientes (no es para tanto, nuestros "Ocho apellidos vascos" es mejor como comedia). Y la cito porque las dos buscan de una manera fácil y algo chabacana la risa fácil, el chiste regional, la mala uva crítica con guantelete de humor. Chauveron como Emilio Martínez Lázaro, juegan con los fundamentos sociales de las rivalidades regionales o nacionales (siguiendo la excelente fórmula de "Bienvenidos al Norte, o "Intocable"" por ejemplo), a través del engarce con el cliché imperecedero de la familia como núcleo de todas las servidumbres y todas las subversiones. Y así en esta comedia las cuatro hijas de una familia tradicional, gaullista y católica de la Francia más cavernícola se casan con un judío, un árabe, un chino y un africano. A partir de ahí los equívocos, las bromas, las referencias criticas veladas, la sal gruesa de un humor pasado de rosca trata de excitar la risa y la complicidad del espectador.

Prejuicios culturales, complejos varios, se entrecruzan con el mandamiento de toda comedia que se precie, el final feliz o al menos complaciente. Los sartenazos van para todos lados y eso es parte del mérito y del éxito de la comedia y así problemas tan espinosos como el conflicto árabe-israelí, la culturas tribales africanas o el mezquino poder chino son puestos en solfa tanto como la cerrazón francesa, su prepotencia ridícula o la endogamia cultural.
Correctas interpretaciones, sobre todo de los veteranos Chantal Lauby y Christian Clavier, personajes poco desarrollados pero claros y sencillos, un montaje endiabladamente ágil y una música que acentúa la comicidad ambiental, aunque banal y a ratos chabacana . Pero, por favor, que nadie mencione a Billy Wilder y mucho menos a Lubitsch. Están a años luz.

.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
3 enero 2015 6 03 /01 /enero /2015 10:04
Apuestas contra el mañana

Excelente película de cine negro, de "las de antes" (1959) dirigida por un inspirado Robert Wise (muy lejano aún de "West side Story" o "The Set up", pero con la misma artesana maestría). La atmósfera de un Nueva York tan lejano como la galaxia de Andrómeda al que hoy nos aturde con sus excesos. Bellísima fotografía en brillante blanco y negro, de un tiempo pasado de una ciudad filmada con un demoledor ascetismo y una dureza casi inocente (los niños jugando en la calle con un tráfico escaso, los jóvenes empezando a creerse distintos y una atmosfera de postguerra en la que los ex soldados viven la crisis de la época).

La historia va de un atraco y de tres hombres perdedores que quieren dejar de serlo por los cauces de lo fácil y peligroso, robar un banco. Con bastantes puntos de contacto con "Atraco perfecto" y con "Al tojo vivo" de Walsh, ésta tiene los suficientes méritos para ponerse a su altura. El retrato de los tres hombres está muy bien realizado y la acción sigue un ritmo sabio, con diálogos inteligentes, cáusticos y llenos de sarcasmo y un final coherente con lo que nos han contado.

Tres cuartas partes de la película nos va mostrando la vida de los tres hombres, centrándose en el gran Robert Ryan, en un papel violento y amargado como solía representar, al que su brutal racismo supone un elemento un tanto excesivo --quizá comprensible con la época-- pero que es esencial para el desarrollo de la trama. No olvida Wise los elementos positivos de sus personajes aunque, con mucho realismo, los atempera con el comportamiento impredecible y suicida de uno o la sensación de pérdida y humillación de los otros dos. El inductor, Ed Begley --magnífico secundario- un viejo expolicía apartado por corruptelas que trata de mejorar su vida miserable y tal vez vengarse de un sistema que lo arrinconó y, en fin, Harry Belafonte, un cantante de jazz, jugador en deudas con un hampón que amenaza a su exmujer y a su hija y con un matrimonio fracasado.

Todo lo que transcurre en el día del atraco está lleno de sugerencias fílmicas y humanas, con secuencias de una lúgubre belleza que implica la soledad y la desesperación de los tres hombres. Hasta llegar al atraco y al desenlace donde el ritmo y la tensión de la cinta se disparan y mantienen al espectador pendiente de la pantalla, sin un segundo de respiro y con un tratamiento que recuerda la fatalidad angustiosa de la tragedia clásica griega.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
2 enero 2015 5 02 /01 /enero /2015 10:03

Seguimos padeciendo la moda de reinventar los clásicos con mucha parafernalia, efectos especiales, sonido excesivo, personajes domesticados y validez escasa. Como la deleznable "Yo, Frankestein", en ésta cinta que al modo del Woody llamaríamos "Todo lo que le gustaría saber de Drácula y no se atrevía a preguntar" los realizadores de esta enesima versión draculiana nos han facturado un comic donde se notan los rastreos de la impagable versión de Coppola y un Luke Evans que nos acerca más a los héroes de MARvel que al siniestro conde que inventó Bram Stoker sobre una oscura figura legendaria de la historia transilvana. Con un final digno de un alumno de secundaria en la escuela de cine, el director Gary Shore logra atemorizar al respetable dando a entender que va a haber más, secuelas ya en nuestra época con una frase robada del apreciable Sherlock Homes , "Que comience al juego". No es mala del todo pero el tiempo es corto y las pelis muchas...

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
1 enero 2015 4 01 /01 /enero /2015 11:13
Interestelar

Magnífica y ambiciosa película de ciencia ficción del interesante Christopher Nolan, aunque la complejidad filosófica de la propuesta puede echar para atrás a algunos espectadores. Ahí es nada, por mucho menos de lo que sugiere y afirma al final esta película llevaron a muchos a la hoguera la "Santa" Inquisición. Descartes, Spinoza, Newton o Darwin deben de haberse removido en sus lugares estelares al ver el uso superficial --no deja de ser una película de entretenimiento, no un documental-- pero eficaz que hace Nolan de muchos de los misterios de la ciencia que en realidad y en el fondo, terminan reduciéndose a los misterios de siempre de la raza humana, el amor, la familia, la soledad, la necesidad del otro, la ambición, el instinto de supervivencia y el miedo.

“Interestelar” nos muestra una Tierra donde la vida se ha vuelto casi imposible. No se nos dan demasiadas explicaciones --lo cual es una prueba de la habilidad cinematográfica de los hermanos Nolan, huyendo de apocalipsis más o menos importados. Se trata de educar a todo el mundo a volver a las granjas, es más necesario un buen labrador que un ingeniero, dicen en algún momento los personajes. El planeta se muere y la gente morirá con él, a no ser que... Aquí entre la ciencia de la mano de un siempre convincente Michael Caine. Hay que enviar una nave al espacio lejano aprovechando un agujero de gusano aparecido como por "casualidad" cerca de Saturno. Se nos habla de inteligencias superiores que quizá estén de tras de esas casualidades, pero eso no es más que una distracción que esconde la propuesta singular y sugestiva de los Nolan. Matthew McConaughey es el piloto e ingeniero destinado a la misión. Pero y eso es lo que más me gusta de "Interestelar", la película no se centra en el viaje espacial sino que va desnudando la vida íntima de Matthew y de la doctora que le acompaña, hija del científico encarnado por Caine. Por tanto el eje se desvía a menudo y nos cuenta la importancia de las relaciones humanas, la importancia del amor (lo que despistará a los que han ido al cine solo para ver ciencia ficción).Anne Hathaway acompaña a Mattew en un viaje interestelar que se sale de lo habitual en este género de cine, acercándose por derivación a "2001" a "Solaris", "Gravity" u "Origen". La dirección de actores es impecable y nos va sorprendiendo con papeles inesperados de Jessica Chastain, Matt Damon o John Lithgow. Quizá me sobra algunos minutos de duración excesiva, un final de compromiso que no me convence y banaliza el mensaje revolucionario que emite. Un punto importante es la formidable banda sonora de ese enorme compositor que es Hans Zimmer.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
1 enero 2015 4 01 /01 /enero /2015 09:31
El Niño

"El Niño" es Luís Tosar. Vamos, en propiedad el Niño es un joven actor, Jesús Castro, de ojos hipnóticos y catadura pétrea, una especie de Ryan Gosling al que le han quitado el alma y la sonrisa cínica. Es guapo y punto. En fin, es su primera película, tampoco hace falta ensañarse. Quizá mejore. Ojalá.. Pero cuando Tosar entra en escena, la cámara se lo come, se quita la boina y sonríe complacida. Menudo actorazo.es. Daniel Monzón, director y guionista, echa los restos en esta película y, si hubiera justicia, deberían premiarla. El público ya lo hace.

Nada que enviar a cualquier trhiller norteamericano o inglés. Pericia con la cámara, inicio con la fuerza contundente de un Bond o un Bourne, persecuciones en coche rodadas con maestría y garbo, notables intervenciones de un helicóptero contra las lanchas de la droga en el Estrecho. Personajes no muy elaborados pero convincentes, mafías, albanokosovares de pesadilla, musulmanes al costo, Marruecos fronterizo, las colas de la inmigración de ida y vuelta con contrabando menor de paquetes portados a hombros de mujeres y viejos, el puerto de la Linea con sus tinglados, metálicos y de los otros, corrupción policial, incluso romances rozando la comedia romántica pero en el fondo tocados por el drama o la ytragedia de la via al borde de la prisión o la muerte.

Varias subtramas bien enlazadas, discreción en los amoríos, guión interesante y un ritmo que sólo en la mitad se enlentece un poco. Fotografía sobresaliente, musica en su punto, discreta. El ritmo del principio y del final es tan trepidantes que corta la respiración. Y no sobra de nada. Es puro docudrama. Los secundarios, de lujo. Eduard Fernández y Sergi López dan una réplica impecable a Tosar.

.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
31 diciembre 2014 3 31 /12 /diciembre /2014 09:30
El hobbit, la batalla de los cinco ejércitos

La fórmula se ha agotado. Las aventuras de Bilbo Bolsón en compañía de los enanos de Robin, Escudo de Roble, el dragón Smaug (un auténtico hallazgo, con su ironía sarcástica y su rotunda y maléfica belleza animal), los elfos de cabelleras rubias, grandes arqueros, y la presencia de los siempre atractivos Legolas y el mago Gandalf, han tocado a su fin para dejar paso,es un decir, a la trilogía inaugural "El señor de los anillos", la verdadera obra maestra de Peter Jackson. Termina la birllante historia de la Tierra Media y sus deliciosos hobbits, que viven en agujeros excavados en la tierra dotados de todas las maravillas de una civilización medieval que se desarrolla en paz y en comunión coin la Naturaleza.

En esta tercera entrega del Hobbit, la desmesurada propuesta final de Jackson sobre la fascinante obra de Tolkien, el objetivo se ha cumplido con creces y ya resulta un tanto reiterativo y cansino aunque sigue entreteniendo, sin sorpresas y con los habituales recursos articulados en torno a la aventura básica: inicio sosegado, complicaciones en crecimiento constante, momento álgido donde los malos ya han ganado casi y aparición de la ayuda providencial que en el ultimo momento salva a los buenos y destruye a los malos. En esta ocasión., una vez más, algun bueno se deja ganar por la fuerza de lo oscuro pero terminará volviendo al redil o y pagándolo con la vida en un acto de heroicidad final. Luego abrazos, parabienes y felicidad publica.

Desenlace final, acción frenética, ritmo de infarto, nada de ahondar en los personajes, todos estereotipos mas alejados de la empatía con el espectador que los de la saga precedente. El Hobbit no logra en ninguna de las tres partes el consenso admirativo del "Anillo", pero al igual que aquellas ya lejanas tres grandes películas, las tres que ahora acaban, también gozan de una gran perfección técnica, efectos especiales, diseño artístico sobresaliente y ambientación cuidada al detalle, pero el histerismo de la, acción no se convierte en verdadera emoción y ni siquiera la improbable historia de amor entre el enano y la elfa logran conmovernos demasiado (aunque en un detalle de amor interacial muy notable por parte de Jackson). También el añadido del rastrero lugarteniente del viejo gobernador, puro disparate cómico, va poniendo una nota de humor --sin final luctuoso-- que me parece otro detalle de madurez de Jackson.

No obstante, esta última película es realmente un buen broche de la trilogía, pese a todo lo apuntado. El entronque con la trilogía precedente está bien hecho y Jackson se permite algunas secuencias magníficas para valorizar todo el entorno de la Tierra Media como si viviéramos el regreso a un lugar de ensueño (el detalle de la bellota que guarda Bilbo es más coherente con la historia que el profundo afecto que el hobbit siente por Robin, que realmente no lo merece demasiado). Frodo live!!! como escribían en las paredes del Paris del 68 estudiantil. Esta trilogía del Hobbit ha engrandecido la del Anillo sin desmerecerla en exceso.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
30 diciembre 2014 2 30 /12 /diciembre /2014 12:46
Calvario

Calvary es la segunda película de McDonagh, y la segunda del mismo que veo, tras la más que notable The Guard. He de reconocer que lo que me llevo a ver esta película fue el buen recuerdo que tenía de aquella, pues ni la temática ni el argumento me llamaban mucho.

Pero no me ha decepcionado ni mucho menos. Hay muchos puntos en común entre The Guard y Calvary. La recreación de la Irlanda rural y esos personajes límites, esos diáologos ácidos, ese humor negro, la descripción de personajes... Muchos puntos en común que le dan cierto aire de familia y que sin duda llevan el sello del autor.

No obstante el tono de ambas películas es distinto. Si en The Guard optaba por la comedia con tonte surrealistas mucho humor negro y situaciones algo más trilladas aunque barnizadas con ese tinte de costumbrismo irlandés, en Calvary opta por un tono más íntimo, más melancólico, más intimista, aunque sin renunciar a algunos golpes de humor.

El resultado es una película interesante, unos diálogos sobresaliente, y una narración muy particular de la que empiezo a hacerme seguidor, es uan película de ritmo sosegado y tranquilo pero incesante, las cosas discurren con cierta tranquidad, con cierto tempo, con cierta cadencia que te lleva a asimilarlas con sencillez pero sin caer en la lentitud.

Un propuesta interesante y diferente sustentada sobre la virtud del perdón.

La historia de Calvary es sencilla: Un día el padre James Lavelle está en el confesionario como suele ser su costumbre, esperando a que uno de los feligreses se acerque y cuente sus culpas en busca de consejos y el perdón divino. En eso el padre escucha una confesión muy extraña, llena de odio y sarcasmo sobre un evento muy oscuro del pasado de dicho feligrés, al final de la "confesión", el mismo le asegura que va a matarlo y le da una semana al padre para que resuelva sus asuntos pendientes.

A pesar de semejante amenaza de muerte, el padre James se mentaliza y se prepara para lo peor a pesar de haber consultado el caso con otros colegas y sigue con su rutina normal de siempre que es el de reencausar a sus feligreses por el buen camino. Así inicia Calvary y de aquí en mas veremos a nuestro protagonista en su día a día de esta semana clave en su vida así como también sus charlas y visitas a los pobladores que acuden a la iglesia.

La película utiliza unos diálogos cargados de sarcasmo y humor negro aunque en esta ocasión ambos elementos están mas dosificados pero empleados con mucha inteligencia, la suficiente como para hacer resaltar algunas observaciones brutales y hasta crueles sobre lo que es la maldad y la hipocresía de la gente que irónicamente resultan ser los propios feligreses que vienen a la iglesia buscando la expiación de sus pecados.

Este énfasis sobre la hipocresía que hace la cinta deja muchas sensaciones al espectador, en especial la de querer mandar todo al demonio y de que tratar de salvar las almas de los demás es una misión prácticamente imposible y sumamente desalentadora, desgastante, frustrante y decepcionante. Pocos son los personajes que arrojan algo de luz en esta historia que está llena de oscuridad.

Brendan Gleeson esta estupendo y demuestra su talento camaleónico a la hora de interpretar diversos roles y el elenco también cumple muy bien. Es una película muy reflexiva y emotiva a pesar de su humor negro a la vez que es un gran análisis sobre la naturaleza oscura del ser humano. Una grata sorpresa del cine irlandés.

(SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama)Ver todo

spoiler

Uno de los mejores ejemplos sobre la oscuridad del ser humano que muestra la película es la historia que le cuenta el personaje de Aidan Gillen al padre sobre el niño que queda prácticamente como un muerto en vida por culpa del anestesista. Es un relato muy cruel, potente, oscuro y desolador que dejara pensando a muchos de los que vean la cintaEn un recóndito pueblo costero de Irlanda, durante otro monótono domingo mientras escucha la confesión uno de sus contados feligreses, el Padre James es amenazado de muerte.
Su confidente predice que lo matará el próximo domingo por la mañana, en la playa, su único motivo es la singular bondad del cura en un entorno privado de tal virtud.
Desde ese momento, el relato se escalona en cada uno de los días de la semana venidera, donde el sacerdote interactuará con los pocos pobladores y dos ocasionales visitantes, una de ellas su hija suicida fallida -concebida antes de tomar los votos- y la otra una circunstancial sobreviviente de un accidente de tránsito -en el que perdió la vida su esposo- producto de la negligencia de un conductor local ebrio.
Los desgraciados lugareños, entre ellos el autor de la amenaza, se enmarcan dentro de estereotipos conocidos: su colega un sacerdote mediocre y sin vocación, un millonario narcisista desconsoladamente pobre de afectos; un infeliz cantinero que destila permanentemente odio; un joven mesero sexualmente deprimido y desahuciado; un anciano escritor que anhela su muerte, un mecánico inmigrante egoísta y engreído; un médico insulso y cínico; un policía desconsiderado y corrupto; un asesino encarcelado, un homosexual prostituto, un carnicero golpeador y su esposa promiscua y frívola.
Todos ellos, en distintos grados, víctimas de sus circunstancias.
Todos le reprochan en sus hediondos parlamentos al cura sobre lo desagradable que resulta su existencia, las falencias del cristianismo y la carencia de esperanzas.
Éste no tiene respuestas precisas, y en algunos casos reacciona de manera mundana hasta agresiva.
Muy humano, encomendado en un oficio divino, el padre James durante el ultimo domingo nos da una lección sobre el destino y el perdón, en una parábola literaria sobre Jesús de Nazaret en el Gólgota.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo
30 diciembre 2014 2 30 /12 /diciembre /2014 10:20
A través de la noche

Deliciosa y divertida comedia prebélica con mensaje político bastante simple y maniqueo, en este caso contra los inevitables, malvados y un poco tontos nazis norteamericanos en los días previos a la entrada de estados Unidos en la conflagración, cuando no se había hecho público todavía que iban a entrar en la guerra. Lo curioso de esta cinta con actores de la talla de Humphrey Bogart, Conrad Veidt, Kaaren Verne, Jane Darwell, Frank McHugh, Peter Lorre, Judith Anderson, William Demarest, Jackie Gleason, Phil Silvers, Wallace Ford, y Barton MacLane, es que el director Vincent Sherman opta por una visión llena de humor y de ironía para esta cinta patriotera. En ella, ahí es nada, el protagonismo absoluto lo cede a delincuentes y gangsteres de poca monta de los que infestaban los barrios bajos de Nueva York (y los altos) en aquel principio de los 40. Con un guiño sarcástico al público, Sherman hace protagonista a "El guantes" un estafador y jugador de poca monta, magnifica creación de Bogie, y a todos sus cómplices y rivales en el mundo del hampa. Ante el peligro nazi sale a relucir el americanismo de la barra y las estrellas y la estatua de la libertad.

Todo transcurre en una sola noche, la policía hace el papel de comparsa y el FBI ni siquiera es avisado de las actividades de la peligrosa célula nazi que va a provocar problemas en el confiado país americano. Curiosamente aquí veremos juntos a actores que luego se harán célebres en "Casablanca" y otras cintas de la época con parecida temática política, prácticamente en parecidos papeles, con la excepción de Peter Lorre que aquí hace de asesino sin escrúpulos y de un cinismo casi infantil. Sin llegar a la dureza y calidad de otras películas denunciantes de los cuarenta como "Sabotaje" de Hitchcock, "Ser o no ser" de Lubitch o "El gran dictador" de Chaplin, esta película que se une en la denuncia contra el absentismo bélico de Estados Unidos, tiene su encanto peculiar. Aunque solo sea por asistir asombrados a la rara faceta humorística de Bogart (actor encasillado en papeles dramáticos) en la secuencia desternillante y un poco infantil de la asamblea nazi. Como detalle a tener en cuenta, el director Sherman es judío y se llamaba Abraham Orovitz. Es curioso el importante papel concienciador que los exiliados alemanes tuvieron a través del cine en la toma de postura norteamericana contra el III Reich.

Repost 0
Published by nullediesinelinea.over-blog.es //charlus03 - en cine - teatro - opera
Comenta este artículo

Présentation

  • : El blog de diariodemimochila.over-blog.es
  • El blog de diariodemimochila.over-blog.es
  • : Ventana abierta al mundo de la cultura en general, de los libros en particular, mas un poco de filosofía, otra pizca de psicología y psicoanálisis, unas notas de cine o teatro y, para desengrasar, rutas senderistas y subidas montañeras.
  • Contacto

Recherche

Liens