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17 agosto 2016 3 17 /08 /agosto /2016 09:27
El ayudante de cámara

En los 80 vi la pieza teatral "The Dresser" en su primera versión cinematográfica, "La sombra del actor". Es una obra teatral de Ronald Harwood, que él mismo ha convertido en guión en dos ocasiones, la que nos ocupa y la versión de 1983 dirigida por Peter Yates y protagonizada por Albert Finney y Tom Courtenay. En esta ocasión un magnífico y sobrio Anthony Hopkins y el ex-Gandalf de los Anillos, Ian McKellen, menos sobrio que de costumbre. Pequeño pero enjundioso papel para Edward Fox y una Emily Watson tan correcta como acostumbra. Conocemos esa historia (hace poco vimos a Al Pacino en algo semejante, sólo que en figura de "crooner") el gran actor que ha llegado envejecido y está al borde de la ruina física con problemas de memoria, alcohol y divismo recalcitrante. Y aquí viene otro personaje con historia, el ayuda de cámara, el sirviente, homosexual, resentido, mezquino y envidioso. Se trata de cancelar una última representación del Rey Lear ante los problemas fisicos y mentales del actor. Pero el sirviente mueve los hilos y consigue que su amo salga al escenario, al precio que sea. Cine teatral que se mantiene gracias a los dos monstruos de la escena que encabezan el cartel. El texto sigue siendo demoledor y magnífico. La dirección, sobria (se trata de una película para televisión). “El ayuda de cámara” es una delicia para los espectadores que sienten nostalgia (razonable) por el cine del pasado siglo.

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11 agosto 2016 4 11 /08 /agosto /2016 09:44
El viejo fusil

Excelente película bélica francesa dirigida por Robert Enrico e interpretada por el gran Philippe Noiret con una aparición escasa de Romy Schneider. Pertenece la cinta al género bélico de retaguardia y nos habla de el peligroso periodo del final de la guerra con los alemanes ocupando Francia y aplicando una política represiva brutal con múltiples escarmientos y represalias sobre la población civil, principalmente a causa de las actividades crecientes de la resistencia y grupos de partisanos. La acción se desarrolla en Montauban (suroeste de Francia) en 1944, cuando ya los aliados los americanos están desembarcando en las costas. La retirada apresurada de los alemanes de sus posiciones van acompañadas de verdaderas atrocidades contra la población civil. El film hace referencia a la masacre ocurrida en Oradour-sur-Glane (un poco al norte de Montauban, cerca de Limoges). El 10 de junio de 1944, las SS reúnen a toda la población en la plaza del pueblo; los niños y las mujeres son encerrados en la iglesia. A media tarde empieza la matanza de todos los habitantes (en la película se ven los cadáveres en la iglesia). En la actualidad, se conservan las ruinas del pueblo, en recuerdo de lo ocurrido: 644 víctimas, de las cuales 204 eran niños.

El doctor interpretado por Noiret pierde a su esposa y a su hija en una de esas operaciones gratuitas y salvajes de los desesperados alemanes y ello ocurre en una especie de castillo con una parte reformada propiedad del médico. Cuando este llega ve el cadáver de su hija y el cuerpo quemado por un lanzallamas de su esposa. El shock recibido transforma al pacífico y tímido doctor en un instrumento de la venganza sin compasión, en una máquina de matar, con un viejo fusil y su conocimiento de los pasadizos y trampas del castillo. El filme se articula en tres niveles: la masacre nazi, la historia de amor (a través de flashbacks, esencialmente) y la venganza (tiempo presente de la película). Magnífica, realista y compleja la historia de amor entre la bella Romy y el tímido y poco agraciado Noiret.

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10 agosto 2016 3 10 /08 /agosto /2016 17:21
Infierno azul

El catalán trasplantado a Hollywood Jaume Collet-Serra consigue un "coup de force" muy acertado en las labores de dirección de "Infierno azul". Con una drástica limitación de escenario --todo transcurre en pleno mar a dos centenares de metros de la playa, sobre una roca emergente que se hundirá con la marea y una torre-boya de señales, faro y campana. Toda la trama consiste en ver los problemas que tiene una surfista atacada por un tiburón asesino que logra refugiarse en la roca mientras el escualo monta guardia en torno a ella para acabar de devorarla. Blake Lively, la muchacha, está en una playa solitaria de Méjico y los únicos surfistas que aparecen por allí son devorados por el tiburón . Destaca la paradoja de una muerte horrible en un lugar paradisíaco, con planos aéreos y generales que describen perfectamente la inmensidad y soledad de la playa dotada de un agua totalmente cristalina. Excelentes secuencias submarinas. Con el precedente del "Tiburón" de Spielberg. Collet-Serra usa la técnica cinematográfica del maestro norteamericano, mostrando pocas secuencias del tiburón físico pero logrando crear un ominoso ambiente de peligro súbito, inmediato, silencioso y letal. Sólo al final lo veremos más, ya totalmente desatado y tratando de llevarse al interior de sus terribles fauces todo lo que pille por delante… Blake Lively logra salir airosa de su cometido dominando con su presencia y sus emociones toda la película. Quizás se prolongue demasiado el brutal sufrimiento de la protagonista y resulta un poco inverosímil el "pespunte" con pendientes que hace la chica a su pierna desgarrada y resulta más dudoso que con tanta pérdida de sangre y el subsiguiente shock traumático la chica se desenvuelva tan bien.

El miedo psicológico es más terrorífico y la tensión sube de puntos cuando sólo tienes el presentimiento de que está el tiburón cerca pero no tienes ninguna señal de por donde va a atacar. Quizá lo menos creíble o en línea con el guión sean las secuencias de la amistad con la gaviota herida a la que cura y que incluso la avisa de la presencia de gente o del tiburón. Y la muerte de los dos jóvenes surferos. En fin, nadie es perfecto Y menos el final. Aún así, si quiere pasar un rato de angustia bien narrado esta es su película.

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9 agosto 2016 2 09 /08 /agosto /2016 09:22
Kilo, Two, Bravo

Kajaki es una película bélica modesta, previsible, pero al mismo tiempo con una trama original y dinámica que te mantiene hipnotizado toda la proyección. Buena dirección, excelentes actores, hábil dirección artística, perfecta fotografía. Se nos cuenta el día a día de una patrulla británica en Afganistán. Muy pronto se entra en el hecho capital: un campo de minas terrestres en el que algunos miembros de la patrulla se encuentran dentro sin posibilidad de escapar. Basada al parecer en hechos reales ocurridos en 2006, la película nos muestra sin ambages el sufrimiento que tuvieron que soportar los soldados. Las minas fueron colocadas por los rusos muchos años antes, y no matan a sus víctimas, solo destrozan los miembros inferiores. Los 100 minutos del film relatan la espera de los soldados hasta que llega el rescate con helicópteros. Todo desarrollándose morosa y desesperadamente en un escenario limitadísimo de 30 metros cuadrados de pedregal y una docena de soldados paralizados. El suelo como enemigo furtivo pero implacable, con el terror a hacer cualquier movimiento. Todo descrito en un estilo realista, brutal. Ni siquiera hay banda sonora, para que no nos distraigamos del concierto de explosiones y los posteriores gemidos y maldiciones de los caídos y sus mutilaciones.

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8 agosto 2016 1 08 /08 /agosto /2016 09:33
Faraón

Acostumbrado a los "péplum" de Hollywood tan postizos como una peluca en la cabeza de Yul Brinner, cuando apareció "Faraón", reducido a las salas de arte y ensayo , los alumnos de Antropología fuimos a verla con nuestro profesor de Egiptología a la cabeza. El deslumbre fue total, a pesar de habernos extasiado también con "Sinué , el egipcio" basada en la novela de Mika Waltari y habernos choteado (históricamente se entiende) de películas como "Cleopatra", "Quo Vadis" o "Ben Hur". El casi desconocido cine polaco tiró la casa por la ventana para rodar "Faraón", con magníficos exteriores rodados en Egipto propiamente y en Uzbekistán y con el apoyo económico y logístico de la Unión Soviética, logra dar al filme una autenticidad y verosimilitud envidiables. Una puesta en escena impecable, una ambientación magnífica u un rigor científico e histórico de primera mano, convierten a "Faraón" en una de las mejores muestras de cine histórico de todos los tiempos. El gran director Kawalerowicz, invirtió tres años en el proyecto. Para cumplir sus objetivos crea la historia de un faraón inexistente, en la cumbre del esplendor imperial egipcio y dándole un contenido político y social tan básico y preciso que mantiene su actualidad, es el enfrentamiento entre el poder civil y el religioso. Aunque hay momentos excesivamente lentos y discursivos, apenas pesa el largo metraje, 182 minutos, ya que esta película es toda una lección de cine y de historia.

Tanto el vestuario como la ambientación y los actores --excelentes las interpretaciones de los actores que dan vida al supuesto Ramses XIII y al sumo sacerdote Herhor. Disfrutarán con secuencias como el suicidio del esclavo que tras 10 años de trabajo ve cómo su zanja es rellenada de nuevo, la batalla entre los libios y los egipcios, el enfrentamientos entre Ramsés XIII y su doble en el templo de Amón, el ritual de momificación de Ramsés XII o la proclamación de Ramsés XIII como Faraón. Y, por supuesto, el largo plano inicial del escarabajo pelotero.

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5 agosto 2016 5 05 /08 /agosto /2016 08:04
Red Tails

Siguiendo la huella de "Hombres de honor" con Cuba Gooding Jr. (que repite en esta película) y Robert de Niro, otro intento., más bien banal aunque muy bien filmado, de la mala conciencia norteamericana hacia los negros. Con la estética de los videojuegos que ya comienza a ser una constante en el cine de acción (en realidad el origen es al revés. Sólo que los videojuegos lo han vulgarizado y vuelto previsible) la película no se sostiene demasiado en el guión, previsible por demás aunque trata de ceñirse a los hechos históricos, pero sobre todo cojea absurdamente en los diálogos. Detrás de la producción está George Lucas, no precisamente un novato, y se nota en la espectacularidad de las secuencias, aunque no en la inteligencia argumental. Anthony Hemingway dirige, aunque no se le ha pegado nada de la fuerza de su apellido. Se trata de la historia real de una compañía de pilotos negros, los The Tuskegee Airmen durante la Segunda Guerra Mundial y sin duda se merecía mejor trato. Notas heroicas para emocionar a las abuelas y rociadas generosas de patriotismo barato made in USA. Un buen tema, una mala realización y unos brillantes efectos especiales. Por lo demás, infantilismo bélico a tope y fallos de verosimilitud y coherencia de parvulario.

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1 agosto 2016 1 01 /08 /agosto /2016 15:13
La hermana pequeña

Magnífica película minimalista, poética y con aspectos dramáticos bien elaborados del director Hirokazu Kore-eda, discípulo aplicado aunque un poco dulzón del maestro Ozu. Pero hay tanta sensibilidad y ternura en el tratamiento de los personajes y el planteamiento suave y sin estridencias del drama que todo se desenvuelve como una pieza de música de cámara. Aquí son los pequeños -o grandes- dramas familiares y concierne a tres hermanas de una misma madre y una cuarta, la más pequeña, de una segunda relación del padre ausente y amado-odiado por las tres. Tras la muerte de esta figura central que no conocemos, las hermanas y afrontan la cisa cotidiana con sus mezquindades, sus pequeñas alegrías y los fantasmas del pasado.

Con todo, hay una corriente suave y casi esquiva de amor y compasión. Y eso, contado con suma sencillez y con una cámara discreta que parece pasearse por ese hogar como un miembro más de la familia, da sentido a todo lo que vemos y admiramos. Todo lo mínimo y trivial tiene cabida en esta obra sin argumento aparente que se ve surcado en ocasiones por una fuerte y luminosa corriente poética. Es un drama de mujeres el que nos cuenta Hirokazu Kore-eda. Y a fe que lo hace de una manera brillante y plácida a la vez. Una película en la que Kore-eda no olvida salpimentar con un humor delicado y agradable. Las actrices son magníficas y dotadas de encanto sencillo y matizadas personalidades, con sus luces y sus sombras, acompañadas de un grupo de secundarios para sacarse el sombrero. Merecido Premio del Público en la 63 edición del Festival de San Sebastián.

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30 julio 2016 6 30 /07 /julio /2016 10:08
Retorno al pasado

Excelente muestra del cine negro clásico norteamericano. La resolución fotográfica es de primera, los diálogos ingeniosos y realistas, el guión inteligente y los intérpretes, salvo el poco lucido papel de Kirk Douglas, están formidables, empezando por el austero Robert Mitchum y las jóvenes actrices, con una Jane Greer que compone una mujer fatal a la altura de las más conocidas en el 7º Arte, de cuyos labios no salen más que mentiras rodeados de una adorable sonrisa. Escuchando los diálogos de esta pelñicula uno rememora a los mejores escritores norteamericanos, desde un Hammet a un Chandler. Está basada en la novela de Daniel Mainwaring "Build My Gallows High, que adaptó al cine su propia novela, con una fotografía en blanco y negro realmente magistral a cargo de Nicholas Musuraca y con una excelente banda sonora a cargo de Roy Webb. El ritmo es electrizante, no en vano el director de esta pequeña joya fue el gran Jaques Tourneur. El trágico final tiene su compensación ética con el engaño que el amigo del protagonista, un joven sordomudo, perpetra para hacer creer a la novia del protagonista que éste se quería fugar con la femme fatale cuando fueron abatidos. Sabe que no es así, pero Mitchum le pidió que, caso de ir las cosas mal, lo hiciera para que la muchacha se sintiera libre para rehacer su vida. El guiño del joven al letrero con el nombre, falso, de Mitchum, es un gesto que ningún cinéfilo podrá olvidar.

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28 julio 2016 4 28 /07 /julio /2016 14:49
Mi amigo el gigante

"Mi amigo el gigante" no se puede alinear junto a los grandes logros del genio del cine de diversión, Steven Spielberg. Nuestro director admirado se ha limitado a repasar la película de animación que se hice en los 80 sobre el tema, un relato del soberbio y algo oscuro Roald Dahl y la ayuda del actor sorpresa de su anterior película "El puente de los espías", Mark Rylace, bastante superior a esta aunque se trate de géneros tan diferentes entre sí. El juego con las animaciones virtuales es magnífico sin duda y la muchacha protagonista está muy ajustada a su papel. La música de John Williams, la fotografía de Kaminski y los planos habituales de una naturaleza idílica de Spielberg. junto con un guión algo perezoso pero lleno de malicioso humor de Dahl hacen el resto. El ritmo es algo lento para el supuesto público infantil, aunque nadie puede dudar del garbo y gracia de este director para divertir y conmover al respetable. Los adultos también nos divertimos con la asombrosa interpretación de Mark Rylance . Todo es un gesto de pícara malicia dirigido a los adultos que ven la película, dejando libre la capacidad de Spielberg para empatizar con el público infantil. Consigue que el gigante además de un milagro tecnológico tena une fuerte y sana carga emotiva. Aunque no nos guste demasiado el final tan absurdamente simple y precipitado..

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20 julio 2016 3 20 /07 /julio /2016 09:17
Las zapatillas rojas

Entrañable película de danza dirigida por el británico Michael Powell (1905-1990) y del húngaro Emeric Pressburger (1902-1988), que también firman el guión, basado en un cuento infantil (sic)de Andersen y en elementos de la vida del bailarín y empresario ruso Sergei P. Diaghilev (1872-1929), fundador de los Ballets Rusos. Este clásico del cine se rodó en escenarios operísticos y urbanos reales de Londres (Royal Opera House, The Mercury Theatre), Paris (Opera National de Paris, estación ferrocarril de Lyon), Gers (Villa Leopolda, Francia) y Mónaco (Hotel de Paris, estación ferroviaria de Montecarlo) y algunas escenas en los ingleses de Pinewood Studios.En la edición de 1948 se lleva los Oscar de dirección artística y el de banda sonora.

La dinámica de fuerzas entre el duro y genial empresario ruso de ballet clásico, Boris Lermontov , una joven bailarina, Victoria “Vicky” Page, y un joven compositor y director de orquesta, Julian Craster, para preservar a la bailarina de los "riesgos" del amor para su carrera, provoca el desenlace trágico de la historia. La conjunción entre la historia de las zapatillas rojas y el triángulo de pasiones entre las tres personas en aras de sacrificarlo todo por la pureza del arte, está magníficamente hilvanada. La ejecución del ballet que da nombre a la película, son 13 minutos fascinantes de excelente baile. Música y drama se entrecruzan con fluidez, coherencia y sin discontinuidades, haciendo que los números de ballet se integren de forma espontánea en el argumento, cosa poco habitual en los filmes musicales, pero que a partir de esa fecha influiría en otros clásicos del cine musical. Otro valor es el realismo con que nos describe el mundo del ballet y del teatro visto desde dentro. La interpretación de Anton Walbrook como empresario es magnífica. Moira Shearer, la bailarina, está a la altura del primero. La banda sonora, de Brian Easdale es una afortunada mezcla de partituras arquestales dramáticas y modernas, combinadas con insertos de música clásica, como “El lago de los cisnes” (Tchaikovsky), “Las sílfides” (Liszt), “La tienda fantástica” (Rossini) y otros. Realmente es una delicia revisitar este clásico.

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