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8 enero 2015 4 08 /01 /enero /2015 10:54
Fermín

Lo siento en el alma, pues suelo gozar de firme con las películas argentinas de los últimos tiempos. Buenos guiones, magníficas interpretaciones y buen pulso narrativo. Cine de primera. "Fermín" se queda en la tierra de nadie del despropósito tanguero, remolón y un poco oscuro. la historia de ese psiquiatra joven que se siente atraido por uno de los pacientes más cerrados en sí mismos, en un hospital psiquiátrico público argentino, está tan inmerso en la propia historia del tango de mediados del siglo XX argentino, que todo se vuelve algo complejo y las casualidades y singularidades que se nos van apareciendo hacia el final terminan por parecer excesivas. Admiro a Héctor Alterio pero su empecinado mutismo o sus monólogos tangueros resultan un recurso tan literario y artificioso que no acaban de conmover. Seguramente en el bello país americano la película levante ciertas paciones y nostalgias, pero aquí suena un poco como una sinfonía interpretado por músicos buenos pero que han olvidado la partituras. Gastón Pauls da la réplica al anciano Fermin (Alterio) y se involucra en una historia excesiva. Los flashback del pasado politico y social de Argentina (1945, 1955 y 1976) dan un aire de trhriler irresuelto con personajes bastante tópicos y una ansiedad emotiva que deja totalmente frío al respetable. Quizá el personaje más tractivo, aunque mal dibujado, sin profundidad, sea Emilio Disi como el bailarín Ciempiés. Dirigen Findling y Kolker, con escaso acierto a mi parecer, aunque el metraje dedicado al tango hará suspirar a sus aficionados. Las referencias políticas están colocadas con alfileres y con ánimo de emocionar al espectador y se quedan en puros apuntes.

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7 enero 2015 3 07 /01 /enero /2015 10:24
El gran hotel Budapest

La verdad es que he disfrutado como un loco (también la película es un poco loca). Me encanta el preciosismo pictórico de Wes Anderson, sus universos surrealistas y un poco desquiciados, su dominio de la retórica, sus composiciones cinematográficas a medio camino entre el arte pictórico más depurado y el sentido del humor más delirante. La historia, como casi siempre, es un mcguffin elaboradísimo e impredecible. Un conserje atildado, seductor de ricas octogenarias y el botones del hotel Budapest (una creación encantadora donde parece habitar la sociedad de entreguerras y son bienvenidos desde Stefan Zweig, en algunos de cuyos relatos bebe el director para diseñar esta improbable y divertida historia, hasta Somerset Maugham, Marcel Proust o Thomas Mann) deciden robar un famoso cuadro que perteneció a una de las amantes del conserje que deseaba donárselo a él pero es asesinada por su siniestra familia. A partir de ese momento todo se disparata y Anderson nos hace sentirnos felices e interesados en cárceles absurdas, viajes en tren, asedios militares y huidas imposibles contadas con la seriedad del mejor cine británico de los Estudios Ealing.

Durante todo el embarullado pero delicioso metraje veremos a excelentes actores haciendo cameos de segundos (como Bill Murray) o de secundarios de lujo. El ritmo es tan irregular y absurdo como si nos estuvieran contando una historia con excursos y distracciones todas ellas relatadas con un estilo inconfundible que parece habitar en el mundo de los sueños. Como suele ocurrir en todas las películas de este originalísimo director, casi cada plano se convierte en un cuadro preciosista y de colores exaltados pero elegantes. Todo está permitido en el universo andersoniano y eso crea cierta disparidad según sea el gusto y el humor del espectador. Es como una depuración del teatro de Sumatra o la Comedia de l' Arte, los polichinelas o las óperas bufas con momentos fantasiosos al estilo del Mozart de "La flauta mágica".

Todo aquí rezuma libertad, alegría de vivir y estereotipos llenos de humor y guiños. Pura creatividad. Los que se sientan atraídos por el personalísimo mundo de Anderson deben correr a agenciarse una copia de esta película para poder verla dos o tres veces más. Los que no, pensarán que es una tomadura de pelo y la olvidarán en cuanto salgan del cine. Película coral aunque comandada por los protagonistas masculinos, el señorial conserje y el botones pequeño, audaz, inteligente y feo (magníficos Ralph Fiennes y el joven Tony Revolori). William Dafoe y Adrian Brody componen unos malísimos que parecen surgidos de las películas de Batman. Después de la suculenta "Moonrise Kingdom", Anderson se saca de la chistera una obra prodigiosa dentro de su naturaleza original e inclasificable, acompañándola con una banda sonora espléndida de Alexander Desplat. Una fiesta nostálgica, algo truculenta pero insobornablemente tierna, en algunos momentos --como cuando relata el amor entre el botones y la pastelera-- tan ingenua, sencilla y directa como un cuento narrado por un niño..

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6 enero 2015 2 06 /01 /enero /2015 16:00
Cita en Honduras

"Cita en Honduras" tiene un buen director, tres actores pasables, algunos secundarios rozando lo ridículo y una trama aventurera que nos hace pensar en los programas de sesión doble de nuestra infancia. Aventuras en la selva centroamericana con bichos de todo tipo (la secuencia de los peces carnívoros zampándose a un cocodrilo en segundos y dejando que el esqueleto se pose suavemente en la orilla del río, es antológica). Los niños de hoy seguramente no disfrutarán mucho con esta peli del director de las magníficas "La mujer pantera", "Berlín express" o "Yo conocí a un zombi". Fue rodada en el 1953 en deslumbrante tecnicolor y es un producto destinado a la diversión, aunque realizado de forma mediocre y que sólo atrae por una cierta ingenuidad en la trama y ver a Glenn Ford, mas sucinto que nunca, la pelirroja Ann Sheridan y el malo Zachary Scott haciendo un papel poco lucido. Todo va de "patriota" norteamericano ayudando a un presidente hondureño derrocado y escondido en la selva a recuperar el mando en su país (vamos, un agente de la CIA en ciernes aun inexistente) presumiendo de ser un granjero amante de la justicia.

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5 enero 2015 1 05 /01 /enero /2015 15:25
Noche en el Museo (3)

Bueno, con la excepción de la primera de esta trilogía innecesaria (en el que la novedad de los personajes del Museo Metropolitano de Nueva York tomando vida, llama la atención y causa secuencias de bastante humor) la reincidencia en una tercera visita a las tribulaciones de un Ben Stiller que parece tomarse a broma todo el asunto, no aporta nada nuevo y si provoca cierta cansina reincidencia en bromas ya sin gracia como la manía mingitoria del repugnante mono o vergüenza ajena por ver de qué manera tan escasamente lucida se despide del cine y de la vida aquel gran cómico que fue Robin Williams. Si uno va a verla sin esperar nada nuevo y aún de divierten las payasadas de los mini romanos o mini cowboys o sonríe con el monolito parlante de Pascua o el dinosaurio esquelético, pues bueno, muy dueño es. Esta tercera parte puede irritar a algunos y seguir encandilando a los aficionados al cine de humor grueso de los 80 y 90 y a los fans del impertérrito pero eficaz Ben Stiller. Algunas secuencias revelan que a los guionistas y al director no se les ha secado el cerebelo, así la presencia del sir Lancelot o la secuencia en el cuadro del laberinto de M.C. Escher. Nos sobran las relaciones paterno filiales de Stiller con su hijo, un pegote pseudo emocional innecesario y no nos sobra la divertida escena de Hugh Jackman. Comedia barata con algunas, pocas, pinceladas de cierta calidad.

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4 enero 2015 7 04 /01 /enero /2015 11:33
El amor llamó dos veces

Una fresca comedia norteamericana de los años 40, justo durante la Segunda Guerra Mundial, que nos muestra de una manera ingenua pero ilustrativa el clima que se vivía en el Washington belicista (cuando a cada hombre le correspondían al menos ocho mujeres como no se cansa de repetir el coprotagonista), con superpoblación, falta de viviendas y situaciones de realquilados, chabolistas y menesterosos por toda la ciudad. Las suaves y disimuladas criticas implícitas a la situación y la aportación de imágenes documentales integradas sabiamente en la película (taxis al modo árabe siempre obligados a viajar llenos por viajeros que no se conocen, colas ingentes, diversiones callejeras o comunales, desorden amoroso) muestran a un director, George Stevens, con mucho oficio, mucha ironía y un saludable y algo ingenuo sentido del humor. Aunque es un director que se llevaría más tarde dos Oscar por “Gigante” y “Un lugar en el sol”.

Divertida, irregular y a veces un poco vergonzante por los mensajes implícitos sobre el papel de la mujer y las relaciones y el matrimonio, no podemos olvidar la época en que se rodó y las creencias entonces en vigor. Un principio excelente con la autoridad del veterano Charles Coburn (que se llevaría un Oscar al mejor actor secundario). Excelente aunque un poco demasiado histriónica Jean Arthur, eficaz como siempre, aunque menos que en otros clásicos como cuando da réplica a Gary Grant en "Solo los ángeles tienen alas" de Howard Hawks. Aquí juega con un estólido Joel McCrea que se limita a posar de guapo pero que sabe ajustarse a las secuencias mas divertidas de la película, bajo la batuta de los rígidos horarios de la Arthur. La agilidad de las secuencias de la vida en común de las tres personas en el pequeño apartamento, con puertas y ventanas que se cierran y abren con estrépito entre confusiones y correrías de los personajes, tiene la gracia del viejo Lubitsch. En fin, deja un agradable sabor de boca y uno aprecia la sana mordacidad del guión y la notable realización de Stevens..

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3 enero 2015 6 03 /01 /enero /2015 10:31
Dios mío, qué te hemos hecho

El caso es que la comedia francesa sigue pegando con acierto entre determinado público, no muy exigente, aunque por cauces previsibles y cómodos, no excesivamente notables pero si eficaces. Quizá lo que más le envidie a esa cinematografía es algo consustancial con los franceses (y que deberíamos algún día poder importar si aprendiéramos cómo) es decir, su apoyo a todo lo que es francés, su obstinada calificación positiva de cuanto hacen y la asombrosa miopía de pensar que todo lo que producen en bueno, nuevo y admirable (no es así ni de lejos, pero les sobra razón para hacer lo que hacen a fin de que los demás se lo crean).

Volviendo a esta película de título tan largo e irónico. me cuentan que ya han superado la decena de millones de espectadores en su país y aquí no dejan de sumar entusiasmados clientes (no es para tanto, nuestros "Ocho apellidos vascos" es mejor como comedia). Y la cito porque las dos buscan de una manera fácil y algo chabacana la risa fácil, el chiste regional, la mala uva crítica con guantelete de humor. Chauveron como Emilio Martínez Lázaro, juegan con los fundamentos sociales de las rivalidades regionales o nacionales (siguiendo la excelente fórmula de "Bienvenidos al Norte, o "Intocable"" por ejemplo), a través del engarce con el cliché imperecedero de la familia como núcleo de todas las servidumbres y todas las subversiones. Y así en esta comedia las cuatro hijas de una familia tradicional, gaullista y católica de la Francia más cavernícola se casan con un judío, un árabe, un chino y un africano. A partir de ahí los equívocos, las bromas, las referencias criticas veladas, la sal gruesa de un humor pasado de rosca trata de excitar la risa y la complicidad del espectador.

Prejuicios culturales, complejos varios, se entrecruzan con el mandamiento de toda comedia que se precie, el final feliz o al menos complaciente. Los sartenazos van para todos lados y eso es parte del mérito y del éxito de la comedia y así problemas tan espinosos como el conflicto árabe-israelí, la culturas tribales africanas o el mezquino poder chino son puestos en solfa tanto como la cerrazón francesa, su prepotencia ridícula o la endogamia cultural.
Correctas interpretaciones, sobre todo de los veteranos Chantal Lauby y Christian Clavier, personajes poco desarrollados pero claros y sencillos, un montaje endiabladamente ágil y una música que acentúa la comicidad ambiental, aunque banal y a ratos chabacana . Pero, por favor, que nadie mencione a Billy Wilder y mucho menos a Lubitsch. Están a años luz.

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3 enero 2015 6 03 /01 /enero /2015 10:04
Apuestas contra el mañana

Excelente película de cine negro, de "las de antes" (1959) dirigida por un inspirado Robert Wise (muy lejano aún de "West side Story" o "The Set up", pero con la misma artesana maestría). La atmósfera de un Nueva York tan lejano como la galaxia de Andrómeda al que hoy nos aturde con sus excesos. Bellísima fotografía en brillante blanco y negro, de un tiempo pasado de una ciudad filmada con un demoledor ascetismo y una dureza casi inocente (los niños jugando en la calle con un tráfico escaso, los jóvenes empezando a creerse distintos y una atmosfera de postguerra en la que los ex soldados viven la crisis de la época).

La historia va de un atraco y de tres hombres perdedores que quieren dejar de serlo por los cauces de lo fácil y peligroso, robar un banco. Con bastantes puntos de contacto con "Atraco perfecto" y con "Al tojo vivo" de Walsh, ésta tiene los suficientes méritos para ponerse a su altura. El retrato de los tres hombres está muy bien realizado y la acción sigue un ritmo sabio, con diálogos inteligentes, cáusticos y llenos de sarcasmo y un final coherente con lo que nos han contado.

Tres cuartas partes de la película nos va mostrando la vida de los tres hombres, centrándose en el gran Robert Ryan, en un papel violento y amargado como solía representar, al que su brutal racismo supone un elemento un tanto excesivo --quizá comprensible con la época-- pero que es esencial para el desarrollo de la trama. No olvida Wise los elementos positivos de sus personajes aunque, con mucho realismo, los atempera con el comportamiento impredecible y suicida de uno o la sensación de pérdida y humillación de los otros dos. El inductor, Ed Begley --magnífico secundario- un viejo expolicía apartado por corruptelas que trata de mejorar su vida miserable y tal vez vengarse de un sistema que lo arrinconó y, en fin, Harry Belafonte, un cantante de jazz, jugador en deudas con un hampón que amenaza a su exmujer y a su hija y con un matrimonio fracasado.

Todo lo que transcurre en el día del atraco está lleno de sugerencias fílmicas y humanas, con secuencias de una lúgubre belleza que implica la soledad y la desesperación de los tres hombres. Hasta llegar al atraco y al desenlace donde el ritmo y la tensión de la cinta se disparan y mantienen al espectador pendiente de la pantalla, sin un segundo de respiro y con un tratamiento que recuerda la fatalidad angustiosa de la tragedia clásica griega.

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2 enero 2015 5 02 /01 /enero /2015 10:03

Seguimos padeciendo la moda de reinventar los clásicos con mucha parafernalia, efectos especiales, sonido excesivo, personajes domesticados y validez escasa. Como la deleznable "Yo, Frankestein", en ésta cinta que al modo del Woody llamaríamos "Todo lo que le gustaría saber de Drácula y no se atrevía a preguntar" los realizadores de esta enesima versión draculiana nos han facturado un comic donde se notan los rastreos de la impagable versión de Coppola y un Luke Evans que nos acerca más a los héroes de MARvel que al siniestro conde que inventó Bram Stoker sobre una oscura figura legendaria de la historia transilvana. Con un final digno de un alumno de secundaria en la escuela de cine, el director Gary Shore logra atemorizar al respetable dando a entender que va a haber más, secuelas ya en nuestra época con una frase robada del apreciable Sherlock Homes , "Que comience al juego". No es mala del todo pero el tiempo es corto y las pelis muchas...

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1 enero 2015 4 01 /01 /enero /2015 11:13
Interestelar

Magnífica y ambiciosa película de ciencia ficción del interesante Christopher Nolan, aunque la complejidad filosófica de la propuesta puede echar para atrás a algunos espectadores. Ahí es nada, por mucho menos de lo que sugiere y afirma al final esta película llevaron a muchos a la hoguera la "Santa" Inquisición. Descartes, Spinoza, Newton o Darwin deben de haberse removido en sus lugares estelares al ver el uso superficial --no deja de ser una película de entretenimiento, no un documental-- pero eficaz que hace Nolan de muchos de los misterios de la ciencia que en realidad y en el fondo, terminan reduciéndose a los misterios de siempre de la raza humana, el amor, la familia, la soledad, la necesidad del otro, la ambición, el instinto de supervivencia y el miedo.

“Interestelar” nos muestra una Tierra donde la vida se ha vuelto casi imposible. No se nos dan demasiadas explicaciones --lo cual es una prueba de la habilidad cinematográfica de los hermanos Nolan, huyendo de apocalipsis más o menos importados. Se trata de educar a todo el mundo a volver a las granjas, es más necesario un buen labrador que un ingeniero, dicen en algún momento los personajes. El planeta se muere y la gente morirá con él, a no ser que... Aquí entre la ciencia de la mano de un siempre convincente Michael Caine. Hay que enviar una nave al espacio lejano aprovechando un agujero de gusano aparecido como por "casualidad" cerca de Saturno. Se nos habla de inteligencias superiores que quizá estén de tras de esas casualidades, pero eso no es más que una distracción que esconde la propuesta singular y sugestiva de los Nolan. Matthew McConaughey es el piloto e ingeniero destinado a la misión. Pero y eso es lo que más me gusta de "Interestelar", la película no se centra en el viaje espacial sino que va desnudando la vida íntima de Matthew y de la doctora que le acompaña, hija del científico encarnado por Caine. Por tanto el eje se desvía a menudo y nos cuenta la importancia de las relaciones humanas, la importancia del amor (lo que despistará a los que han ido al cine solo para ver ciencia ficción).Anne Hathaway acompaña a Mattew en un viaje interestelar que se sale de lo habitual en este género de cine, acercándose por derivación a "2001" a "Solaris", "Gravity" u "Origen". La dirección de actores es impecable y nos va sorprendiendo con papeles inesperados de Jessica Chastain, Matt Damon o John Lithgow. Quizá me sobra algunos minutos de duración excesiva, un final de compromiso que no me convence y banaliza el mensaje revolucionario que emite. Un punto importante es la formidable banda sonora de ese enorme compositor que es Hans Zimmer.

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1 enero 2015 4 01 /01 /enero /2015 09:31
El Niño

"El Niño" es Luís Tosar. Vamos, en propiedad el Niño es un joven actor, Jesús Castro, de ojos hipnóticos y catadura pétrea, una especie de Ryan Gosling al que le han quitado el alma y la sonrisa cínica. Es guapo y punto. En fin, es su primera película, tampoco hace falta ensañarse. Quizá mejore. Ojalá.. Pero cuando Tosar entra en escena, la cámara se lo come, se quita la boina y sonríe complacida. Menudo actorazo.es. Daniel Monzón, director y guionista, echa los restos en esta película y, si hubiera justicia, deberían premiarla. El público ya lo hace.

Nada que enviar a cualquier trhiller norteamericano o inglés. Pericia con la cámara, inicio con la fuerza contundente de un Bond o un Bourne, persecuciones en coche rodadas con maestría y garbo, notables intervenciones de un helicóptero contra las lanchas de la droga en el Estrecho. Personajes no muy elaborados pero convincentes, mafías, albanokosovares de pesadilla, musulmanes al costo, Marruecos fronterizo, las colas de la inmigración de ida y vuelta con contrabando menor de paquetes portados a hombros de mujeres y viejos, el puerto de la Linea con sus tinglados, metálicos y de los otros, corrupción policial, incluso romances rozando la comedia romántica pero en el fondo tocados por el drama o la ytragedia de la via al borde de la prisión o la muerte.

Varias subtramas bien enlazadas, discreción en los amoríos, guión interesante y un ritmo que sólo en la mitad se enlentece un poco. Fotografía sobresaliente, musica en su punto, discreta. El ritmo del principio y del final es tan trepidantes que corta la respiración. Y no sobra de nada. Es puro docudrama. Los secundarios, de lujo. Eduard Fernández y Sergi López dan una réplica impecable a Tosar.

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