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13 junio 2016 1 13 /06 /junio /2016 18:12
Mia Mare

Una nueva película auto referencial de Nanni Moretti, que unido el talento de la actriz Marguerita Buy, vuelve a usar su técnica predilecta para filmar con alta carga emocional y como suele añadiendo sus gotas de humor crítico, esta vez refiriéndose al mundo del cine. El argumento gira en torno a Margherita, una directora de cine que vive insalada en un estado nervioso provocado por una crisis existencia llena de frentes abiertos: una madre enferma terminal, un trabajo que no sabe gestionar, una relación amorosa fallida y una hija adolescente con la que es incapaz de comunicarse. Moretti se ha reservado el papel de hermano de la directora en una cinta donde parece vislumbrarse la crisis que el propio Moretti debió pasar a raíz de la muerte de su propia madre.

Como de costumbre Nanni logra desenvolverse bien en el mundo de las emociones, a los que la pizca de humor salva del sentimentalismo, ayudado pro una Buy contenida y algo histriónica en ciertos momentos pero que da la medida exacta de una mujer en su edad y circunstancias. .

La figura de John Turturro, que da vida a un vanidoso y excéntrico actor venido desde Estados Unidos, roza con el exceso tratando de orquestar un humor desaforado y extravagante, hasta amansarse al final y adquirir un contraste humano, aunque totalmente innecesario para el conjunto de la película. Colocado como contrapunto cómico a la amargura y desánimo de la directora, es aquí donde a Moretti se le va la mano cayendo en el tópico neorrealista de tantos antepasados suyos en la dirección del cine italiano. Al parecer Moretti activa los paralelismos existentes entre su protagonista y su propia historia personal: una madre profesora de letras, una película sin acabar y el drama de la muerte de su madre que ocurrió mientras rodaba la película "Habemus Papam". Quizá una mayor economía argumental, evitar o minimizar más las historias colaterales de la trama principal hubiera redundado en la calidad de la cinta. Tanto la presencia de Turturro como la del propio Moretti lastran la película con elementos que afectan la solidez de la propuesta. Lástima.

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12 junio 2016 7 12 /06 /junio /2016 11:52
Taxi Teherán

Este delicioso documento visual, llegó a Cannes al parecer de distinta forma que su película anterior, "Esto no es una película" metida en un pendrive colocado en una tarta de regalo. Su director y supuesto único actor, es el iraní Jafar Panahi, que tiene prohibido por su Gobierno hacer películas, conceder entrevistas o salir del país. El filme ha recibido un premio de honor en Cannes y está teniendo un éxito relativo en toda Europa y los Estados Unidos. El gobierno islamista iraní no se ha tomado muy bien la "broma" del cineasta y aunque no le han colgado de una grúa, si le están apretando el dogal prohibitivo y asfixiante en su vida cotidiana.

Se necesita mucho atrevimiento, ingenio y bastante ingenuidad para filmar ese recorrido de Panahi convertido en improvisado taxista por las calles de Teherán, con una cámara rodando desde el salpicadero del coche. La impagable actuación de su sobrina, una espabilada chiquilla que a su vez pretende rodar un corto sobre su tío para la signatura de cine de su escuela le sirve al director para hablar de las actitudes gubernamentales sobre la libertad cinematográfica y los intentos de rodar la "sórdida realidad". Que es justamente lo que nos muestra Panahi en la relación con los "clientes" que van parando su taxi y charlando con él.

Panahi juega con la confusión del espectador, que al principio ignora si lo que está viendo es algo espontáneo e improvisado y si la gente que participa son actores o no lo son. Pronto entramos en la intencionalidad del director y vamos comprobando que todo está perfectamente planificado. Con ello se percibe la crítica al régimen y el magnífico retrato de los problemas de la sociedad iraní, reflejado en personajes de un enorme encanto que muestran a través del humor y la ironía las dificultades en que viven. La verdad es que el Oso de Oro conseguido por “Taxi Teherán” en la última edición de la Berlinale es más que un premio de consolación política y un llamamiento a la libertad. Panahi sigue superando las restricciones de su encierro. Los tres trabajos realizados durante esta época de dos lustros de prohibiciones son ejemplos de cine de resistencia. Tres ejercicios de estilo que se revelan como una metáfora de la situación que vive en estos momentos su autor, pero que en ningún caso merecen una mirada condescendiente, dado su valor cinematográfico, su inteligencia, ingenio y frescura. Para cerrar la metáfora, al final le roban la cámara.

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10 junio 2016 5 10 /06 /junio /2016 11:56
13 horas, soldados secretos de Bengasi

Magnífica, realista y manipuladora película de acción bélica de trepidante factura y más bien mensaje político elemental con la dicotomía buenos-malos ya consabida, sin crítica razonable a la imperialista acción exterior USA y una adscripción al rechazo del mundo árabe con los tópicos condenatorios de costumbre. Como novedad, una intervención de la CIA bastante realista y una muestra poco creíble de la diplomacia de EEUU (aunque casos parecidos se han dado). El núcleo argumental, el ataque islámico contra una base secreta de la CIA en Libia en la que sorprenden al embajador norteamericano y la intervención defensiva de un grupo de mercenarios de una de las agencias norteamericanas privadas. Nos hablan del consabido caso real y al final se nos muestran las fotos de los soldados reales

Americanada sin cortapisas ni disfraces hipócritas. Cine de acción en estado puro con sus apuntes humanistas en la descripción de los soldados de fortuna y los jefes de la CIA y la diplomacia. El ritmo de la película es correcto, aunque hay momentos de reposo guerrero en que sobran las pinceladas costumbristas de la soldadesca. quizás sobrando algunos momentos de reposo intermedios del tipo "la noche de descanso en Black Hawk Down", que en este filme creo que están de más. Las actuaciones son en general buenas y sobre todo creíbles y la dirección de Michael Bay está en su línea de eficacia y corrección, como lo demostró en "La roca" y "La isla" . Aquí somos testigos del caos y la anarquía que se apoderó de muchos países musulmanes durante la llamada Primavera Árabe.

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6 junio 2016 1 06 /06 /junio /2016 15:28
Alicia a través del espejo

Deplorable continuación de la "Alicia en el Pais de las maravillas" de Burton, basada al menos figuradamente en la "Alicia a través del espejo" de Carroll. Ahí están los deliciosos, subversivos y delirantes personajes del gran escritor en lengua inglesa pero surgen descafeinados y llenos de pretensiones. Dos horas y pico de "nonsense" a la manera de Carroll pero sin su gracia. De alguna manera similar hay que mirar la actuación de Jonny Deep (como el Sombrerero Loco), con su recargada fisonomía de muñeco de feria vagamente extremecedor. Toda la paradoja central sobre el Tiempo, el zancudo Sacha Baron Cohen extremando su discutible gracia, suena al galimatías de la "cronosfera" surgida de un mal sueño de físico o matemático. Los personajes dan más miedo que curiosidad y mucho menos atractivo, desde los gemelos Humpty y Dumpty, al mismo Deep o la Reina de Corazones y su inquietante hermana "buena". Un guión para lamentar y unas interpretaciones de guiñol no bastan para salvar a una película técnicamente perfecta, de buena fotografía y música pasable, grandes efectos especiales y la sensibilidad total de una alpargata. Mia Waskowska perfila una penosa Alicia, la "niña" que seguramente fue y la mujer espléndida pero inadecuada para este personaje que, sin duda, es. Dirige el costoso bodrio trufado de efectos especiales, James Bobin.

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4 junio 2016 6 04 /06 /junio /2016 09:07
Noche real

Bastante apreciable prueba de que la vieja comedia no ha muerto. A pesar de que las concomitancias con "Vacaciones en Roma" saltan a la vista: escapada de joven (es) princesa (ahí es nada, Isabel y Margarita de Inglaterra, en tiempos del breve reinado de su padre, el tartamudo que vimos en "El discurso del rey") con joven soldado (no un periodista encarnado por el genial Gregory Peck ni una princesa deliciosa llamada Audrey Hepburn) en la célebre y descocada noche de celebración del final de la guerra. Buena interpretación, magnifica puesta en escena y momentos de bastante brillantez que hacen pensar en los clásicos del género. Sin llegar a ser una obra maestra, supone un regalo fílmico en estos tiempos de bastante basura. Se trata de una anécdota histórica solventemente convertida en guión por Trevor De Silva y Kevin Hood, dirigida con buen pulso por Julian Jarrold. Sabiamente ambientado en el Londres de los años cuarenta del siglo pasado, con un notable vestuario, efectiva banda sonora y atrezzos que potencian la credibilidad de la historia. Emily Watson en un papel menor pero brillante a la altura de sus dos protagonistas: Bel Powley como Margaret, que es de lo mejor de la película, acompañada de Sarah Gaddon como Elizabeth.

Creo que es una película deliciosa.

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3 junio 2016 5 03 /06 /junio /2016 07:38
El secreto de una obsesión

Esta película es un innecesario remake de "El secreto de sus ojos" que en 2009 se constituyó como una de las mejores producciones de cine hispano de los últimos años. El éxito (popular y económico) de la película argentina tentó al codicioso cine norteamericano que nos manipula aquélla historia porteña de un joven viudo que busca obsesivamente al asesino de su esposa y la de un policía obsesionado con el caso que después de trece años sin rastro del agresor todavía quiere resolver el misterio para escribir una novela. Ahora se trata de una mujer policía y madre soltera quien busca justicia por el asesinato de su hija única, y el escenario político ya no es una dictadura militar sino el desbarajuste social y político tras los atentados de setiembre de 2011, es decir una versión destinada al público norteamericano y sus terrores: los psicópatas que se esconden entre la gente normal y el terrorismo. Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman y sobre todo Julia Roberts están muy bien en sus respectivos papeles, pero todo suena deslavazado y sin coherencia. Pero el ritmo de la película es excelente y podría ser una buena película si olvidamos la de Juan José Campanella.

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2 junio 2016 4 02 /06 /junio /2016 09:02
Cuando cae la nieve

Historia de espionaje y amor ambientada en la Guerra Fría. Espía rusa, hija de una represaliada por Stalin que es reclutada por los servicios de espionaje norteamericanos. Contacta con un joven alto funcionario del ministerio de Exteriores soviético. La historia es poco creíble en sus detalles y pero se desenvuelve con lentitud aunque sin demasiada coherencia. Dos líneas narrativas van saltando alternativamente del pasado al presente. Los personajes no parecen entrar emocionalmente en sus papeles y la dirección no acaba de convencer. Los fondos de ordenador de algunas secuencias desmerecen una película que trata de hacerse agradable.
El ritmo es nulo. Rebecca Ferguson hace un doble papel --la protagonista y su sobrina-, y lo cierto es que no lo hace mal. Y un Charles Dance impecable que tampoco logra mejorar la cinta. Quizá el ambiente de aquélla época logra ser reflejado con cierta autenticidad, lo que da un encanto supletorio de filme clásico.

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30 mayo 2016 1 30 /05 /mayo /2016 09:06
ULtimo taxi para Darwin

Ultimo taxi para Darwin, es una película sencilla, profundamente humana y dotada de una galería de personajes magníficos y ya doblando la madurez o en la ancianidad, en los que la vida ha dejado una huella y cuya vida diaria es el razonable y común conglomerado de vulgaridad, rutinas, carencias, momentos tristes, mezquindades y heroísmo, egoísmo y generosidad en dosis pequeñas, pero que dan una visión entrañable y desengañada de los asuntos humanos. Dirigida por Jeremy Sims, esta película australiana depara una agradable sorpresa no solo por la habilidad con la que se desenvuelve la trama, que al tratar sobre el suicidio asistido, la eutanasia, es algo delicado. Interpretación escueta y memorable de Jacki Weaver, de una austeridad expresiva magnífica, así como la naturalidad de su compañera de reparto Ningari Lawford, una aborigen australiana de una economía expresiva notable pero entrañable. El largo viaje atravesando Australia para tener derecho a acogerse a un nuevo programa de eutanasia muestra la hipocresía y la manipulación social de la "salida honrosa" al dolor ya los hospitales. Si además, de paso, se nos ofrece una visión inteligente del racismo en el gran país australiano con los aborígenes, estupendo. No se pierdan al joven aborigen, estrella oculta del futbol (anécdota un poco impertinente con la acción principal) al que se puede confundir con un astro hispano del tenis. La película nos relata la historia de un hombre de avanzada edad, al que le diagnostican un cáncer y tres meses de vida, evita el sentimentalismo y la moralina para centrarse en la angustia del protagonista y su relación con los amigos y pareja, permitiéndose notas de humor y una entereza positiva frente al patetismo de la historia.

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26 mayo 2016 4 26 /05 /mayo /2016 15:30
Sin límites

Para los aficionados a los deportes extremos, en los que el límite suele estar muy cerca del derrumbe físico o la catástrofe vital esta es una película paradigmática, como lo fue la cinta de los 90 en la que está basada, "Le llaman Bodh" con un Keanu Reeves en el esplendor de su juventud y carisma, poco antes de lo sobrevalorada serie de "Matrix". Secuencias de acrobacias extremas a gogó desde el principio con la problemática existencia de una hermandad del riesgo a morir y un decálogo de barbaridades con pretenciosos fines ecológicos y de denuncia. Dirige el remake Ericson Core con libreto no muy original de Wimmer. A partir de esa constatación, no hay personajes memorables ni actuaciones conseguidas a pesar de la buena voluntad que le ponen Luke Bracey y Edgard Ramírez. Tampoco hay mucha tensión argumental ni una mínima coherencia en la trama. Buena realización fílmica y habilidad en el rodaje de las escenas de acción. Evidentemente la cosa debe ganar muchos enteros si se visiona en 3D, entonces provoca momentos inolvidables como la secuencia de las cataratas en Venezuela. Entretenida, sin más

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23 mayo 2016 1 23 /05 /mayo /2016 09:31
Tras la máscara

Cinta bastante desechable pese a algunas virtudes que posee. Parece que se ha desperdiciado una posibilidad: argumento pasable de aventuras en el siglo XVII con una trama que promete: las aventuras de un asesino profesional al servicio de la todopoderosa Compañía de la Indias, responsable real histórica de genocidios y abusos innumerables entre las gentes de la India primero y uno de los muchos motivos que causó la independencia de los Estados Unidos de Inglaterra. El director Chad Burns --con maneras que parecen surgidas de la escuela del último adaptador de Sherlock Holmes para la gran pantalla, Guy Ritchie-- no ha logrado dar con el tono y la coherencia argumental y psicológica en la historia que nos cuenta, que tiene fallos de trama por todas partes y una interpretación bastante blanda.

Durante 103 minutos asistimos a un conjunto de despropósitos, con una buena dirección artística y nula dirección de actores. El guionista ha cogido algunos hechos históricos y los ha relacionado con la trama hilvanándolos entre sí de una manera bastante burda. El siempre correcto John Rhys-Davies abandona a los enanos del Señor de los Anillos y hace un papel convincente pero blando de malo, Andrew Cheney y Kara Killmer, hacen la pareja protagonista y asistimos a una sarta de dinámicos despropósitos entre personajes históricos e inventados, copiando de manera infantil al Zorro de Banderas y a las citadas películas de Ritchie. En fin, para ver con los niños en la tv un sabado por la tarde.

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