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23 abril 2016 6 23 /04 /abril /2016 14:43
El tesoro de Sierra Madre

Ahí es nada, llevar al cine la novela “The Treasure of the Sierra Madre” (1927), de Berwick Traven. Y además escribir un guión magnífico de la novela. ¿Quién podía hacerlo en 1948, con no demasiados medios y usando escenarios naturales en México y California? Y llevándose además a Humphrey Bogart, a Tim Holt y a Walter Huston? Pues el hijo del gran actor mencionado en último lugar, John Huston, en una de sus primeras adaptaciones de la literatura al cine (uno de los pocos directores capaces de reflejar el espíritu de la novela en sus adaptaciones (recordar "Dublineses", su última película antes de morir en 1987, basada en el libro de Joyce, o "Bajo el volcán" de Lowry o "Moby Dick" de Melville).

Se llevó tres Oscar con esa cinta, mejor director, película y actor de reparto (para su padre, Walter), aunque hubiera merecido al menos uno más para Bogart, en uno de sus más complejos papeles). Durante un complicado rodaje de 10 meses, entre febrero y diciembre de 1925. Fred C. Dobbs (Bogart), Bob Curtin ( Tim Holt) y Howard (Walter Huston), los tres buscavidas norteamericanos residentes en Tampico, que buscando fortuna deciden ir a las montañas desoladas de Sierra Madre en busca de oro. Dobbs, desconfiado, mezquino y paranoico, que pide limosnas por las calles a los turistas (uno de ello es interpretado por el propio director). Curtin es joven y bastante honesto. Howard, viejo buscador de oro, es el único con experiencia y algo de sensatez. A partir de su casual encuentro y de su marcha a las montañas la historia camina como un clásico del cine de aventuras, que van enriqueciéndose con los dramas personales de los tres compañeros (que no amigos) y condensándose en un relato sobre la insaciable capacidad humana de ambición, mezquindad, dureza y locura, cuando las personas son sometidas a condiciones extremas. La obtención de oro es el logro envenenado que acabará destruyendo al grupo. Los diálogos, las miradas, los apartes y en fin los actos van anunciando el drama. Una exploración psicológica, realizada con sencillez y efectividad, donde no sobra ni un solo plano.

No es un simple western del género de la búsqueda de oro, o una película de aventuras. Y sus protagonistas no son héroes y no se comportan como seres humanos dotados de generosidad. Están dispuestos a morir y a matar por el oro. Y tendrán ocasión de ello e unos parajes durísimos con la presencia constantes de bandidos, de calor, sed, hambre y peligros naturales.

Huston logra el oro de la excelencia en sus actores. Descuida el paisaje y la ambientación y su apuesta es, sobre todo, por la historia y las actuaciones. Pero nadie debería discutir la magnífica película que se ha convertido en un clásico del Séptimo Arte. Música, de Max Steiner, que acentúa con solos de trompeta o armónica, canto coral o folklore mejicano. La fotografía, de Ted McCord, logra sacar partido del blanco y negro luminoso y sin embargo con aires trágicos y funestos.

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22 abril 2016 5 22 /04 /abril /2016 09:41
Estado de alarma

Sigo con la recuperación de viejas cintas que no han perdido su encanto. Aquí tenemos un inquietante y firme thriller bélico llevado con pulso firme por un magistral Richard Widmark en un rol de capitán de un destructor norteamericano durante la guerra fría, a la caza y captura de un submarino soviético. Recuerda algunos filmes relativamente recientes en especial "A la caza del Octubre Rojo" con un soberbio Sean Connery como capitán soviético de submarinos y Alec Baldwin como agente de la CIA, primea salida a la pantalla de Jack Ryan, posteriormente interpretado por Harrison Ford.

En este filme, injustamente olvidado, tenemos una magistral trama de enfrentamiento psicológico en el interior del destructor "Bedford" entre el capitán y el médico, excelente Martin Balsam, y un periodista de raza negra, competentemente interpretado por Sidney Poitier. La tripulación es, al modo del coro de las tragedias griegas, testigo, juez y a veces interlocutor del drama personal y político que se libra con un peligro: desequilibrar la precaria paz que se vivía en esos días, todos pendiente del botón rojo nuclear en Moscú o en Washington.

Brillante montaje que logra mantener la tensión y el ritmo durante la hora y pico de proyección. El director, James B. Harris, que fue productor de los primeros films de Stanley Kubrick, consigue su película más notable. Con un final impactante que recuerda al "Teléfono rojo" de Kubrick, el espectador está en vilo toda la película ante la paranoia del capitán y la peligrosa deriva de los acontecimientos. Widmark recuerda en muchos momentos la obsesión salvaje del capitán Acab y su lucha contra la ballena blanca, hasta ese punto brillan las excelencias de esta casi desconocida película.

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21 abril 2016 4 21 /04 /abril /2016 09:34
Presión

Dirigida por Ron Scalpello, esta película de serie B sobre el hacinamiento y claustrofobia de una misión submarina a bordo de una cápsula de metal mecánica de trabajo, sujeta por cables de vida a un navío que hace mantenimiento de cables submarinos, cumple todos los requisitos para entretener y emocionar al espectador. Los tópicos del género son escrupulosamente mantenidos: riesgo de muerte inminente sometido al tiempo escaso., los recuerdos de los protagonistas que los justifican y cuyas acciones se hacen más comprensibles, los actos de heroísmo y algunos de cobardía, la improbable salvación de alguno, cosa que no sabremos hasta el final. Nada nuevo en la pantalla, pero bien servido y con actuaciones correctas aunque sin gran destaque. Muy bien logradas las escenas bajo el agua y todo resulta verosímil y emocionante. Con un final bastante previsible, entretiene y no resulta pesada o reiterativa, el ritmo y la tensión se mantienen. está bien mantenidos . Un reparto solvente: Danny Huston, Matthew Goode, Joe Cole, Alan McKenna, Ian Pirie, Daisy Lowe para mantener el interés durante los 90 minutos de duración, muy justos y suficientes. La película se desarrolla practicamente en su totalidad en ese pequeño batiscafo que les ha bajado a las profundidades del océano y en pequeños paseos alrededor del mismo rodeados de oscuridad. Nos encontramos con personajes que reaccionan al peligro y la muerte de una forma distinta pero comprensible, nada de héroes o de cobardes abyectos. Todo a la medida de lo humano. Y eso es una virtud en estos tiempos. Una película sin grandes pretensiones pero con una ambición de realismo y sentido humano de la vida.

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20 abril 2016 3 20 /04 /abril /2016 16:09
The search

Bien, después de "The Artist" uno esperaba algo más elaborado, más audaz, rompedor, exigente. Y "The Search", empecemos con ello, no es una mala película. Ni mucho menos. Michel Hazanavicius busca nuevamente aliento clásico, en este caso guerrero. La guerra entre Rusia y Chechenia, mal que le pese a Putin que siempre le consideró un "asunto interno" fue un genocidio en toda regla "justificado" por el terrorismo checheno. Dos historias en paralelo. La del soldado ruso que recuerda al Kubrick de "La chaqueta metálica" y la del niño checheno refugiado amparado por una funcionaria de la ONU que remite al Zinnemann de "Los ángeles perdidos", todo ello narrado morosamente con una estética documentalista que no ahorra crueldad y dureza a las imágenes.

Mucha adrenalina emocional, retórica humanística a tope y personajes como el de Annette Bening que tratan de aportar juicios, condenas y moralinas. Bérénice Bejo protagoniza la cinta junto con el niño Maksim Emelyanov (un hallazgo de expresividad y patetismo). El colocón ideológico está servido. Imaginen a los soldados del tio Sam en Vietnam. Pues aquí son los aguerridos y brutales "Ivanes" rusos contra los chechenos -vietnamitas. A pesar de todo la película engancha en momentos aislados y los demás, pues eso, una de supuesta crítica bélica.

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18 abril 2016 1 18 /04 /abril /2016 12:24
Diez negritos

Lamentable versión de gran éxito literario de Agatha Christie, "Diez negritos". Llevada al cine en varias ocasiones, la versión que comento, de los años setenta, es de las menos sólidas (muy lejos de la de Rene Clair en 1945, e inferior a las cerca de diez versiones más para cine y tv.)). La isla solitaria, la casona inmensa, los invitados, la tempestad y las muertes gota a gota. Es difícil olvidarse de la trama de esta novela. Pero en ésta versión la isla aislada es sustituida por el desierto, a 300 kilómetros de cualquier carretera, la casona por un palacio oriental lleno de estancias lujosas y las interpretaciones rozan el asombro del espectador, no por felices y acertadas sino por su inanidad. Es lamentable ver a buenos actores del cine europeo sometidos a la falta de rigor de un equipo técnico que parece surgido de la ocasión. Actuaciones planas para una película indecisa, que no tiene ritmo alguno y que estropea la tensión del original novelesco. No hay explicación alguna respecto al lugar y los hechos y tampoco convencen demasiado las que se dan en el guión y sus extrapolaciones ridículas. La coproducción italo-franco-anglo-germano-española no logra más que sacudir al espectador e indignarle con las contradicciones y vacíos de un guión que traiciona la novela. Charles Aznavour (que canta la canción de los diez negritos al piano con una batería inexistente), Maria Rohm, Oliver Reed, Richard Attenborough (pobre, esta película debió de ser una de sus vergüenzas profesionales), Adolfo Celi, Stéphane Audran, Alberto de Mendoza, Gert Fröbe, Herbert Lom, Elke Sommer, Teresa Gimpera, Rik Battaglia y Nasser Malekmotei , hacen como que actúan. Les libero del nombre del director.

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17 abril 2016 7 17 /04 /abril /2016 11:20
El rey de La Habana

Con una historia melodramática de un joven cubano que trata de superar la penuria y la miseria haciendo uso de sus encantos físicos, rozando continuamente la infamia y la truculencia de los bajos fondos habaneros, el director Agustí Villaronga hilvana una historia desaforada con un final casi guiñolesco, en el que hay algunas secuencias, pocas, dignas y resolutivas pero que se extiende como un lodazal sin remisión para los personajes, dignos de un retrato tremendista de Valle Inclán. El retrato del sórdido mundo de los bajos fondos, entre el abuso del turismo y la indignidad de una cultura basada de el comercio sexual y la miseria, el joven, la "jinetera" y el homosexual van cruzando sus vidas miserables para llegar a un final apoteósico y brutal. Aparte de dejarte mal sabor de boca (cosa que puede ocurrir con películas excelentes) el problema está en que el exceso argumental acaba haciendo encogerse de hombros al espectador y preguntarse con estupor "¿Y...?"

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15 abril 2016 5 15 /04 /abril /2016 09:40
Ave César!

Hasta los hermanos Coen pueden pifiarla, a pesar de las estrellas rutilantes que suelen integrar sus castings. ¿Es una pifia absoluta? Desde luego que no. Relativa. En el sentido de que con su historial uno esperaba más brillantez, ingenio y mala baba. Esta sátira hollywoodiense es delirante como cabía esperar, con un soberbio George Clooney como siempre como pez en el agua en la auto parodia. Nos vamos al Hollywood de los años 50, nuevamente como en "Barton Fink" cine dentro del cine. "Hail, Caesar!" es una sátira descafeinada a la época dorada del cine en color, de los "péplum", de los todo poderosos estudios y de la guerra fría tomada con la ligereza irónica de un Billy Wilder (pero sin su mala uva) o del Lubitch de "Ser o no ser" (pero sin su genialidad). Es la época de Cecil B. de Mille y las grandes superproducciones. Una época en la que los estudios cuidaban de sus intereses con un poder casi absoluto (incluida la vida de las estrellas: ver "Bailando bajo la lluvia"). Uno de esos factótum al servicio de los grandes estudios es el protagonista, Eddie Mannix, figura que inspiró a los Coen para realizar la película, interpretado magistralmente por Josh Brolin. Así que diversión asegurada, algunos buenos gags y una producción que funciona como un reloj... que se atrasa o adelanta en demasiadas ocasiones. Lo malo no son los planteamientos de las historias que se entrecruzan sino su vacilante desarrollo. Tirón de orejas al guionista.

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13 abril 2016 3 13 /04 /abril /2016 16:54
Rams, el valle de los carneros

Bella película islandesa, austera, llena de poesía y realismo. Nos cuenta la historia de dos hermanos separados, de sus vecinos, de una comunidad ganadera perdida en las tierras de Islandia, que tienen la desgracia de enfrentarse a una epidemia que ha de suponer el sacrificio de sus rebaños de ovejas y carneros. Para esos fornidos y cerrados islandeses las ovejas son la razón de vivir y ellos sintonizan su vida y su trabajo en la reproducción y cuidado de esas magníficas bestias. El drama, pues, está servido. Y así el drama colectivo encona el drama individual y familiar de los dos hermanos, del odio mutuo y de la necesidad de salvar toda una tradición ovejera, que acabará siendo la causa de la reconciliación (unas secuencias finales realmente impactantes por su humanidad).

Rams (El valle de los corderos) merece ser un clásico del cine semi documental que habla de costumbres y países remotos, relatada con honestidad y una sencillez que llena el corazón. Un relato en el que el frío exterior y la dureza de la vida en esas condiciones, dirigido por el director islandés Hákornason como su primera e inolvidable película. Merecidamente se ha llevado el premio especial a la mejor película "Un Certain Regard" en Cannes y la Espiga de Oro en Valladolid. Hay en ella un canto al amor por la naturaleza, servido por una cámara y planos amplios en los que la belleza y austeridad de aquellos espacios toman un protagonismo estético inusitado. Kiddi y Gummi, los hermanos, totalmente aislados, enfrascados en sus trabajos manuales, modernos ermitaños con vehículos a motor y labores ancestrales. Las ovejas y la lucha por salvarlas del sacrificio que ordenan las autoridades, son el motor de esta narración oscura y algo salvaje que se humaniza al final de forma enternecedora. Una película hermosa.

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12 abril 2016 2 12 /04 /abril /2016 09:53
Desconexión

Excelente película de ficción al estilo documental de Hanry Alex Rubin, que se llevó un Oscar precisamente por un documental, "Munderball". Los problemas, dificultades y patologías que genera la tecnología actual, es ilustrado por varias historias que se entrecruzan y ponen el acento sobre la peligrosa disponibilidad relacional que permite internet, las redes sociales, tipo Facebook, Twiter y demás. Buen reparto para lidiar los espinosos temas: Jason Bateman, Hope Davis, Frank Grillo, Paula Patton, Alexander Skarsgård, Michael Nyqvist (excelente como siempre en su papel de sospechoso inocente), Andrea Riseborough, Max Thierot y los críos Colin Ford, Jonah Bobo y Haley Ramm. Siguiendo un estilo semejante al de "Crash" o "Vidas cruzadas" las distintas historias van desarrollándose con eventuales y causales puntos de contacto, el llamado "cybercrimen" facilitado por las redes sociales. Algunas de estas historias las hemos conocido también en nuestro país, el acosos sexual, los engaños, la destrucción de personalidades incipientes, como un adolescente al que sus compañeros de curso juegan una broma pesada con final trágico, la pornografía y la prostitución, y los demasiado frecuentes casos de fraudes económicos que causan ruina e indefensión. Realismo a tope y la sensación amarga de que lo que vemos es más que verosímil. realista y verosímil. Gran trabajo actoral y una dirección austera y a menudo brillante.

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9 abril 2016 6 09 /04 /abril /2016 09:43
La ola (Borgen)

Bueno, los aficionados al catastrofismo fílmico made in USA están a un paso de equivocarse si van a ver esta peli noruega. Sin embargo si no tienen pretensiones con los efectos especiales y los tejemanejes de ordenador, pueden pasar un rato confortablemente interesante, con actores desconocidos, un guión que a veces se demora y un ritmo irregular que no obstante mantiene al espectador interesado en lo que le ocurre a esa familia noruega enfrentada a un desastre natural de grandes proporciones. La premisa es suficientemente que interesante, alejada de los más corrientes terremotos, volcanes, choques de meteoritos, desplazamientos del eje de la tierra y brutales cambios climáticos de consecuencias apocalípticas. ‘La Ola’ explora en algo, un evento que está aún en estos días alojado en la curva de probabilidad: la caída de la montaña de Åkneset sobre el estrecho fiordo noruego Geiranger con el efecto esperado: una violenta ola de 85 metros que amenaza con arrasarlo todo (como ya hizo a `principios del siglo XX como se cuida de recordarnos el director Roar Uthaug. Las actuaciones de los protagonistas no hacen pensar en el Actor's Studio pero están a la altura, o bajura, de lo habitual en el género. La tensión de la película va creciendo en intensidad hacai el esperado desenlace, con sus gotas de -poco creíbles-- sobrevivencias felices. Y para que no quepa lugar a dudas del realismo supuesto de la película una voz en off nos dice al final que “hay una separación de la grieta de la montaña que se abre 15 cm cada año. Lo que hemos visto puede producirse, pero no sabemos cuándo será.” En Oslo deben estar contentos. En resumen, algo parecido a “Lo imposible” de Bayona, pero con menos ambiciones y actores menos conocidos.

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